Ce n’est plus un hiatus, c’est presque une retraite. Miss J. et moi-même avons une vie trépidante et, à notre grand dam, n’avons réussi à faire vivre ce blog dont nous sommes si fiers et que vous avez la gentillesse de suivre en dépit de nos absences. Mlle Amber, une grande dame, vient à notre secours et partage son scepticisme devant le dernier opus de Michel Gondry. L’écume des jours, plutôt L’écume du snore (des ronflements) selon ses mots. Adapter Boris Vian … une gageure !
Il va falloir s’accrocher.
I had my doubts about this film before it even started. A wild haired woman accosted us as we waited for the INCREDIBLY SLOW staff and the lovely new Louxor cinema to serve us a drink. « this book had a most lasting affect on my life » she sighed. Upon finding that I had not read it she gasped, looked visibly shocked and instructed me to not go in until I had. I did not take her advice. I should have. I can only presume that the book is full of wonderful and creative madness, where anything is possible in a surreal Paris, where a piano can make you a cocktail and people drive in transparent cars while anthropomorphic mice live in a parallel world.
One way to Cloud 9. Not!
Sadly the only truly magical thing about this film was the budget – ‘wow’ you felt yourself thinking how much did it cost to have Roman Duris, Audrey Tautou, Gad Elmaleh and Omar Sy all in the same film? And they filmed in Paris, and they have loads of special effects! If you liked the Science of Sleep then you might like Gondry’s particular brand of faux naïve, cutesy effects. Or not.
Faux romanticism … shudder with Tautou
Anyway the film – wealthy playboy Colin (Duris) meets kooky girl Chloé (Tautou), they fall in love and literally fly over Paris in a goddamn cloud. Meanwhile their gang: Nicolas, chef /butler/sex symbol (Sy) and Duris’ best friend Chick (Elmaleh) who embodies the meaningless of work and is addicted, literally, to the written word, gad about on killer ice-rinks or dog parties or other absurd things. Poor Audrey simpers and coughs, she has caught a flower (don’t ask), Duris splashes the cash until it runs out and their magic world literally decays and crumbles around them. He is even forced to get a job. He tries to save his love, but testimony to this being a French film he shags her best friend Alice (Aïssa Maïga) while she is putting on some mascara (sadly and badly). How sad. Thankfully Tautou dies in the end and her body is unceremoniously thrown into a mass grave. Phew.
Chick but not elegant
Luckily while all this goes on you can distract yourself by playing spot that spot – “Oooh the communist building at Colonel Fabien”, I stage whisper to my boyfriend, “that herb place on rue d’Amsterdam” he shoots back, is that the Buttes Chaumont? We continue like this for the rest of the film.
En résumé : Acquérir un zoo peut servir de nouveau départ pour une famille après un deuil difficile. Et pourquoi pas ? Ce film a la capacité d’émouvoir et faire sourire, mais il se perd trop souvent dans le melodrame.
Some days, a good dose of wildlife, even if it is on the big screen rather than face-to-face, can do a world of good to the morale. Today was just one of those days, thanks to Cameron Crowe’s latest production, an adaptation of Benjamin Mee’s autobiography, We Bought A Zoo. I much prefer this title to the bland French version - A Fresh Start - although I suppose the French version smacks a little less of spoiler alert. But yes, in this film Matt Damon plays the recently widowed Benjamin Mee, and ends up buying a zoo in a bid to help cheer up his fourteen-year-old son and much younger daughter.
It’s quickly clear that the family are in for a bumpy ride. Benjamin’s moody son Dylan (Colin Ford) isn’t too impressed at being stuck out in the sticks with only grumpy bears, tigers and other magnificent flesh-eating creatures for company. Moreover the zoo is a money-draining dilapidated mess, as Kelly Foster (Scarlett Johansson), harried zookeeper extraordinaire, is at pains to point out. Just to add to the fun, a crazed zoo inspector is chomping at the bit to get the whole place permanently closed down.
A roaring success?
Beyond the wildlife riff, this is primarily a muse on bereavement and how families handle it. While there are fortunately some decent comic moments to leaven things out, it’s psychologically heavy-handed stuff, not least thanks to a somewhat overwrought soundtrack. Things get especially hard-going once a shall-we-or-shan’t-we-have-it-put-down dilemma involving an elderly tiger is transformed into a desperately unsubtle analogy for Benjamin’s difficulty in letting his wife go.
The motley crew who run the zoo were both strange and somewhat two-dimensional. They often reminded me of the happy-go-lucky crew of Aardman’s latest animation, The Pirates, only minus ham nite. Notably the film’s Scottish character (Angus Macfadyen) is perplexingly overblown in his whiskey-swilling buffoonery, and only mildly entertaining. The goofy way the zoo’s staff were told to act serves as a bumbling halfway house between the zoo animals’ eye-candy role, and Matt Damon’s existential angst-fueled furrowed brow-fest.
Furrowed brow: Exhibit A
It would, I fear, be a tad heartless not to tip my hat to the film’s sensitive depiction of bereavement, not to mention the real family’s experience on which the film is based. It’s great to know that their zoo is still going strong – and now has an order of giraffes on the way! Ultimately, while sweet and entertaining, it all frequently descends into stodge, weighed down by melodramatic, vaguely overwrought, albeit fluffy wholesomeness.
In a nutshell:I don’t say this often, but this movie is a waste of space, energy and good will. It should be seen, though, as a proof of our own downfall, our decadence in considering this boring turd as a worthy example of a brilliant black comedy and a fine and convincing family melodrama. Yes, I am talking about you, French film critics … what is wrong with you, we need to talk and you need to stop taking drugs, like the protagonists of Another Happy Day.
Si l’on en croit la bande annonce et l’affiche française de Another Happy Day, il s’agirait d’une comédie, dans les faits, le premier film de Sam Levinson, 26 ans, fils de Barry Levinson, est un mélodrame putassier indigne dans lequel des acteurs habituellement talentueux cabotinent et prouvent qu’ils savent pleurer sur commande. Entre crises de nerf et gros sanglots, le scénario est un catalogue de disputes idiotes entre antagonistes caricaturaux et laids. Mention spéciale pour Ellen Barkin, qui un jour dût être jolie, mais qui a tant été retouchée par un boucher se faisant passer pour un chirurgien esthétique que ses lèvres ressemblent à une bouée égarée sur un caniveau et son visage à une publicité contre les ravages du botox.
"Publicitaire et mensonger"
Esthétiquement, la réalisation rappelle celle d’un étudiant qui aurait sué sur les techniques de la Nouvelle Vague sans les avoir comprises et qui n’aurait réussi qu’à additionner les défauts des répétitions d’un soap opéra aux langueurs d’un jeune fat qui aurait mal digéré les leçons de Cassavetes. Il me parait incroyable qu’un objet si vulgaire, étalant les heurts et malheurs d’une société protégée, privilégiée mais illettrée et décadente rassemblée autour d’un mariage et ne réussissant jamais à s’éloigner des poncifs, ait pu obtenir tant de critiques positives dans la presse française. Et je ne peux m’empêcher de voir l’être réactionnaire tapi au fond de moi s’éveiller avec fureur devant les grossièretés que l’on fait passer pour mots d’esprit, la brutalité pour rébellion, l’acceptation d’une agressive médiocrité pour de la tolérance et de l’empathie.
Non, avoir un jour vu la pièce de Beckett à laquelle le titre du film rend hommage n’est pas signe d’intelligence. Les névroses ne sont en rien des preuves d’une quelconque profondeur. La souffrance n’est pas témoignage de noblesse. A l’instar du personnage insupportable de méchanceté et d’arrogance interprété par Ezra Miller, une facilité d’expression et un fond de culture ne sont pas des signes de génie, et le seraient-ils qu’ils ne pardonneraient rien. Le génie n’excuse pas le manque de courtoisie le plus élémentaire. On peut pardonner celui des protagonistes, leur bassesse leur est imposée, plus difficile de tolérer celui du créateur et de ses thuriféraires. Il faut à un moment savoir respecter son public et, si possible, l’élever, le confire dans la médiocrité sous de fausses audaces et une maturité factice est délétère et hideux.
Ce film n’est pas mauvais, il est toxique.
S’il y avait un doute, je n’ai pas aimé.
En résumé :Un mélodrame spectaculairement raté, qui me donne presque envie de m’excuser auprès de l’Amour dure trois ans.
Soon after Another Happy Day began, I realised it had perhaps been a mistake not to have kept my powder drier when I reviewed L’amour dure trois ans. Things could, it turned out, have been much worse. Another Day, spawned by Sam Levinson, takes ‘unspeakably dire’ to uncharted depths – and as can be read above, it has even pushed Monsieur D into unstructured, thundering condemnation.
What’s particularly annoying about this debacle is that it is shockingly mis-sold: the trailer promises an offbeat family COMEDY, a ‘mindblowing’ and intelligent one at that, stitching together all the ostensibly comic parts of the film into something reasonably intriguing. It’s like one of those holiday brochures promising palm fringed beaches, failing to mention that the whole resort has been trashed by high-rise sardine can condos filled with tanked up club 18-30 holidaymakers, and that the sea is 90% plastic bags and raw sewage.
A party to miss
Ellen Barkin stars as messed-up mother Lynn, who appears to suffer from borderline personality disorder and inflicts her self-loathing and poorly repressed narcissism on anyone within striking distance. She takes two of her children, the obnoxious, drug-crazed Elliott (Ezra Miller), and his supposedly autistic younger brother Ben (Daniel Yelsky), to the wedding of the son she lost in a custody battle, and it all centres around just how miserable this extended family can make one another in the space of a few days. Pretty miserable, it turns out.
It all takes itself far too seriously, is overwrought and excessively melodramatic, and makes for lumpy, depressing, indeed toxic viewing, as Monsieur D has put it. There isn’t a single likable character, just epic amounts of wallowing and downmarket decadence. The one thing I got from it is that there are painkillers out there sixty times stronger than morphine, and that they apparently make your eyes roll back in your head and increase your chances of drifting off to sea on an inflatable dinghy, only to be unfortunately rescued. And that senile grandfathers and lawnmower driving don’t mix. But I’d have preferred to get that from Wikipedia.
In a nutshell: Matt King (George Clooney) should feel like his name but can’t. His wife is in a coma. He can’t remember how to be a father to his two troubled daughters. He has to settle a multi-million real estate deal. Where to turn to? Payne presents a Clooney festival in a decent Hawaiian dramatic comedy.
Si vous souhaitez apprécier ce film ne regardez pas la bande annonce, ami lecteur (et toi aussi amie lectrice, mais bon, toi tu fais comme tu veux), elle vous révélera tout ! J’ai eu la chance d’arriver sans idées préconçues et je pense que j’ai pu en conséquence éviter une irritation persistance face à des longueurs certaines tant les deux minutes que vous trouverez en bas de cette recension résume l’ensemble du film, révèlent (presque) tous ses secrets et expose ses moments les plus amusants.
Alexander Payne, sur les pas de Wes Anderson, mais jusqu’à présent sans sa fluidité, son charme et son originalité fantasque, se concentre sur une réinvention de la famille, nucléaire par des membres passablement ébranlés par le coma de celle qui jusqu’alors était le centre : la mère et l’épouse, et étendue autour d’un héritage commun, des milliers d’hectares de terres superbes qu’il faut vendre. Tout comme dans Sideways ou Monsieur Schmidt, le réalisateur décrit son protagoniste, ici Matt King (George Clooney), comme un homme complexe en perte de repères, en reconstruction. L’image qu’il avait de lui-même et de sa famille ne convient plus, il doit donc se réadapter à la réalité. Si au contexte tragique s’ajoute sa désillusion personnelle, de son apprentissage naissent quelques scènes comiques et touchantes.
A Hawaii, les feuilles mortes se ramassent à la pelle, les souvenirs et les rapports père-fille aussi.
Les attraits du film tiennent principalement en l’interprétation sensible et nuancée de George Clooney qui fait admirablement ressortir la vulnérabilité de son personnage, et la représentation sans romantisme de Hawaii. Honolulu ressemble à n’importe quelle ville moyenne américaine et le reste des îles sont le plus souvent d’une banalité kitsch réaliste. On se retrouve bien loin du “paradis” vanté par les promotions pour croisières ou lunes de miel. Les tribulations douces-amères de Clooney, âme remarquable de cette oeuvre, en deviennent donc plus crédibles et attachantes et l’on pardonne çà et là quelques larmoiements, une bande originale au ukulele trop présent, un scénario très balisé, surtout sur la fin, et un montage flegmatique frisant une aimable paresse.
The Descendants reste un moment plutôt charmant et souvent très juste sur les réactions émotionnelles d’une famille en temps de crise. L’ensemble est paradoxalement parfois un peu trop appuyé et régulièrement trop lisse mais les appréciateurs d’un cinéma adulte aux personnages fouillés y trouveront leur compte, et pour les amateurs de mélancolie gaie, ce pourrait même être un délice.
En résumé :On ne peut jamais savoir quand sa vie va basculer, voire s’effondrer un petit peu. Quand cela arrive, on n’a qu’à tenter de s’en sortir avec autant de dignité et de courage que possible. Georges Clooney y arrive admirablement dans cette comédie dramatique franchement réussie.
I’d somehow escaped every single trailer going for this film, so I came to Alexander Payne’s The Descendants completely blind, other than with expectations of a cracking performance by George Clooney, which was duly delivered. I was glad not even to have realized that The Descendants comes from the director of Sideways, one of the biggest ‘comic’ letdowns I’ve seen in recent years. There are traces of Sideways, though, in its flabby, consciously slow pace, which was the weakest thing about The Descendants. Rather than the vineyards of California of Sideways, however, we are taken to a startlingly grotty-looking Hawaii.
Clooney stars as a lawyer, Matt King. As a direct descendant of Hawaian royalty, he’s been arranging for a vast estate he inherited along with his cousins to be sold off to the best bidder. Then his wife falls into a coma after a speedboat accident. With the accident, he is catapulted into the role of primary carer after years as the understudy, the backup parent. He realises he hasn’t really spent time with his younger daughter since she was a toddler; now Scottie (Amara Miller) is ten and throws pool loungers into the pool to let off steam. His older daughter Alexandra (Shailene Woodley) is seventeen, at boarding school, and fond of the odd drink or three, and doofus boys.
Father-daughter team extraordinaire
Hawaii is pretty much a character in its own right in the film. We see the impact of aggressive urban development on the island: condos, shredded nature reserves, a constant straining at the reins to wring profit from this ‘paradise’, the myth of which is ferociously shot down throughout. Matt, who also narrates, comments to the effect that people are kidding themselves if they think that the awkward parts of life can be opted out of just by donning a super bright shirt and flip flops. In the film, people and the environment are in a kind of limbo between a state of neglect and moribundity, and an ephemeral hope of reinvention and harmonious realignment with what could – and perhaps should – be a much more nurturing state of being.
It gets pretty intense as Matt faces up to multiple crises, which force him to reassess his life to its core, all whilst trying to hold on to what’s left of his family. It veers between splashes of comedy and existential fire-fighting. Clooney really is in one of the roles of his career – he’s completely immersed, rolling with the absurdities and carrying the drama along without fussiness. That said, there are times when it gets a little soggy and bogged down in its own pathos. It’s a shame and I think it could have been pepped up throughout for an even better production. That said, I found it a very moving, thoughtful, funny-wise film which deserves all the acclaim it’s received.
In a nutshell:For a third consecutive year, this blog lives! How cool is that? As it’s tradition now we shall look back on 2011 and celebrate the movies we enjoyed the most. Since it wouldn’t be fair to forget our dear friends and contributors who helped us so much in maintaining this blog and providing new reviews when schedules are tight and movie theatres are packed so we can’t get in, they shall start with their Top (hum) 5 – most of them cheated -, the film(s) they wished they’d found the time to see, and the one(s) they really rather wish they hadn’t.
Let the party begin – and happy New Year to you, dear reader!
Avant toute chose : Belle et Heureuse Année à Vous, Lectrice Aimée, et mes meilleurs voeux aussi pour toi sympathique lecteur, que 2012 vous apportent bien du bonheur.
Tout comme l’année dernière nous avons rassemblés nos forces, c’est à dire celles amicales et bénévoles de nos critiques invitées et leur avons demandé de nous fournir leur top 5 de leurs films préférés de cette année 2011. Chacun de nos bienveillants contributeurs nous a envoyé ses choix selon ses goûts et ses dégoûts. Certains sont commentés, d’autres nettement moins, ainsi s’expriment les différentes voix de franglaisreview. Les nôtres concluront l’exercice.
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A tout seigneur, tout honneur, Mlle L. présente sur tous les fronts et sur trois continents nous donne, en plus des ses découvertes à 3€, son top 3, parce que 5, cette année c’est un peu trop.
Top Five des films vus au cinéma et qui sont sortis en cours d’année 2011 et que j’ai vraiment aimé et que c’est mission impossible d’en trouver cinq parce que sans blague cette année j’étais beaucoup aux Etats Unis et comment voulez vous que je fasse, alors du coup j’en ai que trois mais c’est vraiment en faisant tout mon possible, je vais quand même pas mettre Captain America dans mon classement, tu parles d’une daube ! :
Mon top 6 de regrets terribles que j’ai pas pu les voir et que ça me rend très malheureuse et qu’en plus y en a beaucoup d’autres que j’ai ratés mais il faut bien faire un tri déjà que je respecte pas les consignes, mais que si ces films étaient passés dans le pays de blaireaux où j’étais cloitrée ben mon top five aurait eu plus de gueule, sauf que là j’ai pas pu les voir alors évidemment :
Ma plus grosse déception que je suis pas contente et que ça aurait dû être génial et qu’en fait c’était tout mou et mal foutu et décevant et c’est pas du boulot: True Grit des frères Coen.
Bien sûr, il y a aussi les films dont on m’a rebattu les oreilles sans répit alors que c’était crâmé dès le départ puisqu’il s’agissait d’énormes daubes (en tête de liste, Black Swan de Darren Aronovsky, parce que RIEN A SECOUER des aventures en tutus de deux casse-couilles qui devraient se contenter de faire égéries Chanel et pas venir m’emm…rder à faire actrices, bon).
Et puis, enfin, un top five des films bizarres en DVD chroniques cette année :
Our fan of entertainment with a bang, martial arts and cool witty one liners, Mr. J.A. followed the instructions to the letter. I love when a plan comes together.
The worst movie of 2011 : The Three Musketeers by Paul W.S. Anderson (was there any doubt, after this biting review?)
The movie he most wanted to see but couldn’t: Red State by Kevin Smith
M. J.M., en plus d’avoir presque les mêmes initiales qu’un grand studio hollywoodien a des goûts aussi ambitieux et éclectiques … et des valeurs ! Voici ses choix :
Année étrange, difficile de donner un top 5, car les films marchent par ensembles
En 1, nettement au-dessus du lot : La piel que habito de Pedro Almodovar,
En 2, une errance : Essential Killing de Jerzy Skolimowski,
En 3, trois films, chacun imparfait, mais parfois d’une émotion très intense :
En 4, trois films de genre, vitesse, accélération, vitesse : X-Men First Class de Matthew Vaughn ; Scream 4 de Wes Craven ; Mission Impossible: Ghost Protocolde Brad Bird
Et pour (ne pas) conclure, ou pour faire une transition, un film de transition (reflet très esthète du film d’Almodovar) : L’Apollonidede Bertrand Bonello.
Je n’ai pas oublié les catégories regret ou déception de l’année, mais mon tempérament ne me fait absolument rien regretter du tout et je ne suis jamais déçu par le cinéma ; en effet, je suis un mec positif, en analyse, serein, qui vit et jouit et lit et écrit et pense et rêve et voit au présent ; de telles catégories sont des réflexes de loser, certainement socialistes, soit dit en passant ; en outre, ce n’est pas une catégorie plus ou moins anonyme et en tous points conformiste qui me donnera le moindre ordre
Je n’ai pas vu Intouchablesde Eric Toledano et Olivier Nakache, mais je crois que ce sera facile de rattraper cet oubli.
Déception : je ne sais pas, disons Hugo Cabret de Martin Scorsese, mais je n’en attendais rien
Surprise (voilà un terme positif et vivant, un peu fou, qui nous place dans le bonheur de l’instant présent) : L’ordre et la moralede Matthieu Kassovitz, que j’aime vraiment bien. En plus je n’ai détesté aucun des films français que j’ai vus cette année – voilà, au moins, les véritables valeurs peuvent se transmettre.
And then comes our international woman of mystery, the discreet but ever present Mlle CTP who sees more movies a day than there are hours. Her favorite 5 (well 6) are the following :
5 (et 6). Tomboy de Céline Sciamma et Meek’s Cutoff de Kelly Reichardt
Estimant que les documentaires méritent une place à part, elle ajoute en sélection parallèle : The Ballad of Genesis and Lady Jaye de Marie Losier et La nuit elles dansent de Isabelle Lavigne et Stéphane Thibault.
Elle a raté Dernière Séance de Laurent Achard, Essential Killing de Jerzy Skolimowski (mention spéciale pour la ressortie de Deep End cette année !!) et Hors Satan de Bruno Dumont.
Sa plus grande déception ? … eeeeuh,The Tree of Lifede Terrence Mallick (ils avaient fumé des gros bouts de moquettes à Cannes ou ils avaient tous des regrets new-age ?) et Poulet aux prunes de Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi.
Mlle Clara clôt avec sa prolixité souriante habituelle les classements de nos reviewers amis. Voici les films qui ont retenu son attention :
Je pensais être fatiguée de leurs films, de leur univers qui me paraissait un brin répétitif, et puis, paf ! un gros coup de poing dans la figure ! Quelle force, quelle intensité, quelle maestria dans la mise en scène, dans la direction d’acteur. On en sort avec l’impression que seul le cinéma peut produire cet effet-là. Chapeau bas !
Grand moment de cinéma à la Semaine de la critique, avec l’intensité de la première projection cannoise. Un sujet délicat, traité avec la force de l’urgence, la témérité d’une réalisatrice qui ose des choses risquées en s’en sortant brillamment – miracle de la grâce. Un film sur une maladie mortelle, dont on sort bouleversé et plein d’envie de vivre.
3.La Piel que habito de Pedro Almodovar
Quel étrange cerveau que celui de Pedro Almodovar… Comme avec les Dardenne, on croit qu’on est saturé de ce cinéaste à l’univers si cohérent, et puis, non ! On reste surpris par l’intelligence de sa mise en scène (la scénographie de la maison, l’esthétique de la chambre de la recluse), la folie de ces histoires d’identités sexuées chamboulées… Surpris enfin par son audace dans le mélange des tonalités, le grotesque et le sublime mêlés – très hugolien Almodovar, tiens ! Oui, cette façon qu’a Almodovar de mélanger la tonalité mélodramatique qui fait monter les larmes aux yeux, et le grand guignol qui fait éclater de rire : unique ! La référence aux Yeux sans visage en arrière-plan, si glaçante, si prégnante, est aussi une belle chose…
4.Une séparationde Asghar Farhadi
Révélation pour moi d’un cinéaste dont je suis allée après coup découvrir les films précédents, tous beaux, même si je préfère encore Une séparation. Bon, beaucoup a été déjà dit sur ce film haletant, à la direction d’acteur géniale, qui nous fait pénétrer dans cette société iranienne tellement intrigante vue d’ici…
Si j’avais envie d’aimer The Tree of life (raté !), je n’avais pas du tout envie d’aller honorer ce personnage idiot de Lars von Trier après ces débiles frasques cannoises. Mais bon, la curiosité fut trop grande. Et voilà, dès le prologue, j’ai été prise ! Ici, l’ambition métaphysique, les liens établis entre l’infini grand de l’univers et l’infiniment petit de nos affaires humaines dérisoires vus de Sirius, tout cela fonctionne et émeut, jusqu’à l’acmé final qui m’a cloué dans mon siège, knocked out. Les images et les questions soulevées par le film ont continué au-delà du visionnage de me hanter…
M. D et Miss J ont demandé un top five, mais c’est un peu juste, alors voilà pour le reste des révélations 2011 de votre serviteur.
Et puis encore : Shamede Steve McQueen, Drive de Nicolas Winding Refn, Tomboyde Céline Sciamma, Impardonnables de André Téchiné, La grotte des rêves perdusde Werner Herzog, My little princess de Eva Ionesco,Habemus papamde Nanni Moretti et L’Apollonidede Bertrand Bonello.
Là en revanche ce ne sera pas le pied
Mes trois plus grandes déceptions furent
1.The Tree of lifede Terrence Mallick, parce que j’en attendais beaucoup et que j’avais envie d’aimer ce film ambitieux ; or impossible pour moi supporter le côté pompier des images, la dimension prêchi prêcha du message (« God, you took my son, he’s dead, it’s fine, take him, he’s yours ! » : Beurk !).
2.Carnage de Roman Polanski: autre déception d’un réalisateur dont j’attends forcément beaucoup. Pas seulement parce que Carnage est un petit film, mais aussi parce que sa misanthropie et sa misogynie m’ont semblé vaines. Et plus encore, son côté règlement de compte avec la gauche-américaine-politiquement correct-droitdelhommiste m’a paru mesquine.
3.Tintinde Steven Spielberg: encore un cinéaste dont on peut attendre beaucoup (enfin, à l’exception des fins). Impossible pour moi de supporter cette agitation de jeux vidéos, cette débauche d’effets, de caméra mouvante pour le mouvement, ce rythme frénétique sans le moindre répit. Résultat : la gerbe. Désolée !
Enfin voici le temps des regrets, dans ma bonne ville de Nice n’ont pas encore été programmé : L’Etrange affaire Angelica de Manoel de Oliveira, Dernière séance de Laurent Achard, le dernier film de Bela Tarr, le cycle Welcome in Vienne d’Axel Corti, Donoma, Honk … J’ai aussi raté : Incendiesde Denis Villeneuve et Hors satan de Bruno Dumont.
A tout ceci s’ajoute un message personnel, une épiphanie :
Cette année 2011 m’aura donné la joie de découvrir (tardivement, puisque j’aurai pu, dû, les débusquer avant) deux acteurs qui ont plus que titiller la midinette qui est moi. Rien de bien original, puisque la toile bruisse des noms de ces deux phénomènes, de ces deux créatures au sex appeal maximal mais aussi acteurs émérites dont on a envie de suivre la trajectoire future. J’ai nommé, évidemment, Michael Fassbender (mon prem’s) et Ryan Gosling. Merci d’exister les gars, et si vous lisez ce blog génial, vous pouvez écrire aux rédac chefs pour récupérer my phone number.
And now here’s…
Miss J’s top 10 for 2011:
…. I shall try to be reasonably concise.
1. Habemus Papam(Nanni Moretti) – sparklingly absurdist, compelling viewing as the Pope has a meltdown.
2. Pina(Wim Wenders) – a fine tribute to one of the twentieth century’s great choreographers.
3.Tyranosaur(Paddy Considine) – a powerful and moving drama that transcends clichés of victims and persecutors.
4.Le Havre(Aki Kaurismäki) – a touching, uplifting film about generosity and solidarity.
5. La Fée (Dominique Abel) – original and offbeat in a great way, who wouldn’t want three wishes from the fairy of Le Havre?
6. The King’s Speech(Tom Hooper) – an impeccably polished exploration of performance anxiety.
7. Moneyball(Bennett Miller) – another of those sports movies that digs down to lots of interesting universals.
8. Intouchables(Eric Toledano) – two ‘untouchables’ help each other back to life in the French comedy of the year.
9. Le Cochon de Gaza(Sylvain Estibal) – bittersweet comedy with dark satirical undertones and a storming performance by a pig.
10. The Sound of Noise(Johannes Stjärne Nilsson and Ola Simonsson) – audacious musical mayhem.
Miss J’s top three popcorn movies of the year:
1. Rio(Carlos Saldanha) - Feel-good music, bright sunshine, great animation, strong storyline – the perfect mood-lifter!
2.Friends With Benefits (Will Gluck) – sit back, unplug brain, smile and crunch popcorn.
Et si vous avez eu le courage d’atteindre le bout de cette page, voici le classement de mes films préférés vus en 2011, et si j’en crois ces résultats, ce fut une année durant laquelle j’ai eu besoin de rire.
1. Pina de Wim Wenders – parce que le travail d’une chorégraphe extraordinaire filmé par un réalisateur de talent crée des étincelles jusque dans l’âme
2. Habemus Papamde Nanni Moretti. Michel Piccoli est grand, beau, touchant, Moretti est caustique et tendre et la comédie vaticane subtile, j’en reveux.
3. Une séparation de Asghar Farhadi. Les acteurs sont à tomber tant ils ont la grâce, le réalisateur impressionne, l’histoire de ce divorce n’est jamais manichéenne et est universelle.
4. Tyrannosaure de Paddy Considine. Parce que Dinard recèle des pépites de cinéma britannique avec des morceaux de bravoure dedans, parce que ce drame social est puissant, percutant, émouvant et les acteurs dignes des plus beaux éloges
5. The Sound of Noise de Ola Simonsson et Johannes Stjarne Nilsson. Haletant, drôle, original et musical, que dire de plus !
6. The Trotsky de Jacob Tierney – parce que ce film hégélien a été fait pour moi, que l’histoire se répète toujours deux fois, que la seconde est une farce et quelle farce ! Et j’ai parfois la nostalgie de Montréal.
7. La Fée de Dominique Abel, Fiona Gordon et Bruno Romy. Poétique et clownesque au sens le plus noble.
8. Le Discours d’un roi de Tom Hooper – parce que ce film tout classique et conservateur qu’il est a du souffle, que Colin Firth y est magnifique, et que ce conte de fée royal m’a séduit.
9. L’Irlandais de John Michael McDonagh. Des acteurs superbes, des répliques qui font mouche, une caméra nerveuse enthousiasmante, LA comédie policière de l’année !
10.Intouchables de Eric Toledano & Olivier Nakache. Ce classement est clairement un hommage aux comédies (vues en 2011), et Intouchables réussit si bien dans l’art ô combien difficile que de faire rire, que l’on est tenté d’aller le revoir pour savourer pleinement les plaisanteries alors masquées par l’hilarité des salles. En plus, un film qui offre un podium à un handicapé moteur, un oeuf Fabergé et Omar Sy méritent qu’on le remarque.
Les trois films qui m’ont déçu ne seront pas en tant que tel les pires films de 2011, enfin pas forcément. Trop facile de dégommer un film de Christophe Honoré, Hollywoo ou Les Immortels. Toute personne qui avait un espoir en entrant dans la salle se mettait d’avance le doigt dans l’œil jusqu’au coude. Et pas évident avec un coude dans l’orbite de se concentrer sur l’écran.
Ainsi, là où mes espoirs furent déçus, piétinés, coupés en morceaux, noyés puis pendus :
1. Incendies de Denis Villeneuve. Une histoire absurde, ca veut faire renouveau de la tragédie grecque et ça n’est que fantasmes adolescents lourdauds et exotiques (parce que si le Liban, ou même le Moyen Orient c’est ça …) je reste encore incrédule que tant de gens que j’apprécie aient aimé ce film.
2 Behold the lamb de John McIlduff. Raté, tout simplement raté.
3.The Tree of Life de Terrence Mallick, qui n’est pas un mauvais film, mais tant de beautés pour tant d’ennui, je n’ai rien contre les dinosaures ni les métaphores filées, mais tout cela m’est apparu assez vain.
Enfin trois films manqués, “flûte”, mais nos chroniqueurs en disent tant de bien que s’éveille une certaine curiosité, alors espérons qu’un jour, si les Mayas nous en laissent le temps …
In a nutshell:Luc Besson pays homage to Burmese Nobel Prize winner Aung San Suu Kyi, through a teary melodrama where we find out that her family life was as tough as her public life, and her ideals noble. Strong woman, much weaker film.
J’aime bien Luc Besson, ses films adolescents emplis de combats, d’honneur et de jolies filles dangereuses m’ont toujours plu. J’ai grandi avec lui, c’est un cinéaste de ma génération et du Dernier Combat (1983, mais je l’ai vu plus tard, en DVD) jusqu’à Jeanne d’Arc (1999), j’ai suivi ce réalisateur bourru, sensible et talentueux en voyant (presque) tous ses films. Parfois plusieurs fois. Et les années 2000 sont arrivées, tout s’est écroulé. Le “scénariste” a pris le pas sur le réalisateur et nous a imposé une bêtise après l’autre (Mozinor, merci). Tout n’était pas aussi mauvais qu’Angel-AouLes Rivières pourpres 2 : les Anges de l’Apocalypse, non, mais rien n’était très bon non plus. Alors j’ai pris mon mal en patience et ai attendu la décennie suivante. En 2010, Miss J. et moi sommes allés voir emplis d’espoir Adèle Blanc-Sec et en sommes sortis pas mécontents mais sans enthousiasme (Rappelez-vous). Nous étions donc intrigué de découvrir sa réalisation suivante, The Lady, bioscopie (biografilm?) d’Aung San Suu Kyi que lui avait apportée Michelle Yeoh, dont la ressemblance physique avec La Dame du Lac est frappante.
Besson rend hommage à la vie difficile de l’héroïne birmane, Prix Nobel de la Paix en 1991, en retraçant non pas son combat politique en faveur de la démocratie, combat inspiré par la philosophie de Gandhi, mais en mettant assez platement en scène sa vie privée et les drames familiaux qu’elle dût subir, en particulier le cancer qui fut fatal à son mari, Michael Aris (David Thewlis). Drame augmenté par l’infâme chantage dont elle fut l’objet, la junte des militaires, refusant tout visa à son mari, lui proposa de choisir entre son époux et son pays … elle choisit de rester. Selon le réalisateur, si vous ne pleurez pas, il faut aller consulter. J’ai pris rendez-vous car si les intentions sont bonnes, son hagiographie peine à émouvoir, ou même – le rouge me monte aux joues – à intéresser.
La plume est plus forte que la caméra
Je vais volontairement omettre de parler de la musique lourdingue, calamiteuse, quelque fois ignoble, malheureusement omniprésente qui surligne absolument chaque scène, je crois avoir aperçu Miss J. porter un T-shirt sur lequel on peut lire : Eric Serra doit mourir. Je la laisserai vous en dire plus. Ma critique portera plutôt sur l’absence de choix de Besson. Refusant de s’engager plus que dans un mélo familial, il passe à côté de son sujet et n’arrive pas à présenter plus qu’un conflit manichéen et de ternes allées retours entre Angleterre où Michael Aris n’en finit pas de mourir (127 minutes d’agonie) et Rangoun où la Dame, plus icône qu’humaine, subit le joug de son enfermement. Manquant cruellement de pédagogie, le spectateur ne comprend rien de la réalité birmane au delà de la carte postale simpliste opposant généraux huileux et superstitieux, parlant toujours birman, à une courageuse jeunesse épaulée par les moines menée par Aung San Suu Kyi, étrangement anglophone même parmi les siens.
Si le scénario de Rebecca Frayn tente d’expliquer comment progressivement l’héroïne s’engage dans la résistance à la junte, il le fait bien maladroitement et le film n’éclaire en rien les choix, les préférences, ni même l’intransigeance d’Aung San Suu Kyi. On ne sait pas ce qui la lie à son mari, ni ce qui la pousse à sacrifier jusqu’à ses enfants pour continuer son combat. On ne saisit pas les voltes faces du pouvoir, ici caricaturé et presque comique. On regrette que Besson ne décide pas soit de s’éloigner de la réalité et, avec cette ardeur entre anarchisme et groupe d’auto-défense, qu’il transforme les généraux en flics d’opérette comme dans Taxi, soit qu’il poursuive son projet initial montrer l’état de la Birmanie par les conflits internes de la Dame. Il n’y parvient guère. Thewlis et Yeoh font ce qu’ils peuvent (et plutôt bien) mais se montrent bien moins inspirés que chez Leigh (Mike) ou Lee (Ang) et sont dans un démonstratif qui frise parfois le ridicule. Peu doué pour montrer la complexité psychologique, Luc Besson ne s’arrête qu’à l’image. Celle-ci est belle et on ne peut que respecter la volonté qu’il y met derrière, mais elle ne reste qu’image lointaine et folklorique.
En résumé:Eric Serra doit mourir.
Ugh. While Monsieur D. has delivered a well measured, reasoned critique of Luc Besson’s latest film The Lady, I fear I may not be up to the task given just how ear-splittingly bad its soundtrack is. But I shall try. At least the worthy subject matter of this ‘bio-flick’ is beyond reproach. It follows Aung San Suu Kyi (Michelle Yeoh)’s brave battle in Burma for free and democratic elections and subsequently to have her landslide election as president acknowledged by the country’s oppressive military junta, supported by her English Oxford academic husband Michael Aris (David Thewlis) and her two teenage sons.
Suu Kyi returns to her country of birth from Oxford in 1988 to to care for her ailing mother, to find Burma in a state of violent political turmoil. She is persuaded by activists to stay and campaign for democracy in the country, not least because she is the daughter of Aung San, the man who had negotiated Burma’s independence from the British in 1947 only to be assassinated, with a harsh military junta tightening its grip on the country over the years. When Suu Kyi returns to fight for the presidency, she is separated from her family and placed under a brutal house arrest, while her family is consistently refused visas to visit her. Worse still, her husband is eventually struck down by cancer and she is unable to see him in the years leading up to his death.
"Speak up darling, I can barely hear you over this grating soundtrack"
The film focuses heavily on the family tragedy side of Suu Kyi’s story while in many ways brushing over the political other than presenting an archetypal good vs evil type of struggle. While I took a slightly kindlier view to the family focus than Monsieur D., I was blown away by how off-putting and overblown the soundtrack was. Eric Serra babysits your emotions as viewer throughout, never once leaving you alone in a little bit of silence for some unsullied dialogue. An orchestra screeches and warbles, drums bang, flute tweedle, you name the emotion, they’re there harassing you into whatever state of mind it is they fancy pushing at a particular moment in the proceedings.
Suu Kyi is alone? Tinkle the piano heart-rendingly. Students are running desperately from gunfire? Crank up the frantic violins and add a pounding dance beat. I had the impression that the director does not trust the intelligence of his audience for one minute and needs to keep things as overwrought as possible to stop his imagined viewers from wandering off, dragging their knuckles along the ground. Honestly, if someone can’t get their head around a story as compelling as this without a whole cohort of crazed musicians clammering away over the top shamelessly orchestrating their emotions, then I doubt they would even make it into the cinema for this one in the first place.
In a nutshell:“Help, I need somebody, Help, not just anybody, Help, you know I need someone, heeeeelp” could be sung by the African-American women serving the white bourgeoisie of Jackson, Mississippi, in the early 1960s, a young idealist of a reporter, Skeeter (Emma Stone) might just do that. A decent melodrama.
Pourquoi aller voir La Couleur des Sentiments? Pourquoi cette traduction de The Help? Pour répondre à la seconde question, parce que L’Aide est laide et Les Bonnes avaient été prises par Genet, et pour la première la réponse est plus longue. Il y a déjà un an, j’avais la chance de participer à un jury littéraire d’un prix (encore) discret, le Grand Prix du Web, qui récompense les romans les plus appréciés par les blogueurs et usagers de la Toile francophone et, je vous le donne en mille, à qui avons-nous attribué notre prix du meilleur livre étranger … à La Couleur des Sentiments, anticipant son incroyable succès en librairie et son adaptation obligatoire par Hollywood. Si la défaite est orpheline, le succès a mille pères, je suis en conséquence heureux d’en être un. Il m’était indispensable de voir ce qui en avait été fait.
La Couleur des Sentiments retrace les efforts de la jeune Skeeter (Emma Stone) à vouloir raconter pour la première fois, au début des années 1960, la vie des bonnes noires de Jackson, sa ville natale, la plus raciste des Etats-Unis, dans un ouvrage qui, espère-t-elle, lui ouvrira les portes des plus grands magazines de la côte est. Elle se liera alors d’amitié avec deux bonnes, la douce Aibileen (Viola Davis) et l’insolente cuisinière Minnie (Octavia Spencer), ce qui la mettra en butte à la colère et au rejet de la bonne société blanche menée par son amie d’enfance, la désormais détestable Hilly (Bryce Dallas Howard). Alors que le mouvement des droits civiques prend de l’ampleur, les relations d’amour, de haine, d’incompréhension, d’ignorance et de partage entre blancs et noirs du sud des Etats-Unis nous sont narrés par ces femmes, faisant ressortir la complexité des rapports que les familles blanches ont avec leurs bonnes noires, à la fois centre de la famille, mères de substitution, et citoyennes de deuxième classe, exploitées et méprisées.
Scandale du solfège ! Une blanche vaudrait-elle deux noires?!
Comme souvent le livre a été simplifié et de nombreux détails et intrigues secondaires supprimés, subsistent le “scandale” de la tarte et le lien de confiance entre Aibileen, la nounou noire, Minny, sa meilleure amie, et Skeeter , la jeune journaliste libérale blanche. Le minimum a été préservé. On assiste pendant 2h26 (tout de même) a un mélodrame sans nuance sauvé par le talent de ses nombreuses actrices. Emma Stone dont la maturité des choix impressionne, Viola Davis et Octavia Spencer sont remarquables de justesse, Jessica Chastain (Celia), aperçue dans The Tree of Life, brille et séduit, Bryce Dallas Howard paraît née pour interpréter une insupportable mais ravissante mégère dont la perfidie et le racisme “de bonne foi” écoeureront jusqu’au plus cynique des spectateurs.
Cette générosité fait souvent oublier une réalisation aux jolies photos, assez statique et insipide (mais ce n’est que le deuxième film du réalisateur Tate Taylor), et parfois le manque d’aspérité et de profondeur des personnages, devenus trop lisses. Ainsi les personnages plus fouillés du roman se séparent en noires débonnaires, blanches courageuses d’un côté et blanches vulgaires et/ou odieuses de l’autre. Le spectateur ne peut qu’éprouver une bienveillance certaine envers les héroïnes et mépriser les actes rétrogrades d’une société aujourd’hui en décalage profond avec notre époque. Le roman déjà très normé devient un film très prévisible, empli de bons sentiments, proposant une forme de réconciliation à une Amérique tentant de tourner la page du racisme. Un peu lénifiant mais sympathique, le film logiquement devient un candidat sérieux pour les Oscars. Ne boudons pourtant pas notre plaisir, même si ici, il est facile.
En résumé :Une belle adaptation du roman La Couleur des Sentiments de Kathryn Stockett, qui perd pas mal de nuances par rapport au roman, mais qui convainc quand même grâce à la force des acteurs.
I had heard great things about Kathryn Stockett’s The Help from Monsieur D., who had helped to get it voted as best foreign book as a member of the jury for the 2010 Grand Prix du Web. I hadn’t had the chance to read the book, alas, but was very much looking forward to the film adaptation, which has Oscar nomination written all over it. It’s set in Jackson, Mississippi, at the time when the Civil Rights movement was just getting going, and when every well-to-do white bourgeois Southern household had its own ‘Help’; black women who all but raised their children and ran their households, but who weren”t even allowed to use the same bathroom as their employees, such was the extent of racist segregation.
The story centres on young journalism graduate Skeeter (Emma Stone), who returns to her home town of Jackson only to find that the maid who raised her is no longer there and that no one seems to want to tell her what happened to her. She’s more conscious than ever of the extent to which the maids are treated as second class citizens, not least by her obnoxious former childhood friend Hilly (Bryce Dallas Howard), who’s even at the head of a campaign to make separate bathrooms for black employees mandatory on hygiene grounds. So she decides to write a story from the point of view of the help.
"You is kind. You is smart. You is important".
It’s hard at the start, but Skeeter manages to enlist the assistance of Aibileen (Viola Davis, above), who had lost her son because the white people who had discovered him after a workplace accident had just dumped him outside of a hospital, and Minnie (Octavia Spencer), who expresses her disgust at her ill treatment by baking a pie to remember. It’s a very smooth, engaging adaptation that derives its strengths from the performances of its actors and the excellent quality of the novel it adapts. According to Monsieur D it loses some of its nuance by portraying many of the white characters as thoroughly detestable, whereas in the original novel the decent sides of many of them had shone through a bit more. In the film version there’s no room for doubt as to who to boo, hiss and want to throw bottles at. It is still a very good watch, however, and recounts important things that still leave you shocked as to how bad segregation was, and how strange it seems, from today’s standpoint, to see how ‘natural’ its travesties were viewed at the time.
Ce n’est plus un hiatus, c’est presque une retraite. Miss J. et moi-même avons une vie trépidante et, à notre grand dam, n’avons réussi à faire vivre ce blog dont nous sommes si fiers et que vous avez la gentillesse de suivre en dépit de nos absences. Mlle Amber, une grande dame, vient à notre secours et partage son scepticisme devant le dernier opus de Michel Gondry. L’écume des jours, plutôt L’écume du snore (des ronflements) selon ses mots. Adapter Boris Vian … une gageure !
