In a nutshell:

L’amour dure trois ans est l’adaptation du roman éponyme (1997) par son auteur, qui pour son premier film se place sous le parrainage de Bukowski et de Canal+ puisque le premier ouvre brièvement le film et la moitié des figures connues du second font des apparitions ou tiennent les premiers rôles, le tout sur une musique de Michel Legrand, qui, lui aussi, viendra jouer quelques notes face caméra. Là est l’art de Beigbeder, savoir se faire des amis et jouer sur tous les tableaux.

Marc/Frédéric knows that Saint Germain is the best place to be looking for his sole-mate.

A la fois profondément narcissique et quelque peu déprimé par sa personne, il opère dans un système ou la dérision fait loi et empêche toute critique sur le fond puisque formulée à l’intérieur de l’oeuvre. Après tout, son personnage principal Marc Marronnier (véritable pseudonyme de Beigbeder qui signa des articles de ce patronyme), d’inspiration très fortement biographique, ne cesse de se vomir dessus. Qui voudrait être aussi sévère ? Et son éditrice chez Grasset, jouée par la délicieuse Valérie Lemercier, résume assez bien et assez rudement ce que vaut l’ensemble : le titre est suffisamment “con” pour plaire et intriguer, son sens de la formule donne un genre, et c’est une première oeuvre qui complète bien leurs quotas.

Les quotas de comédie romantique classique pour ce film, genre cher à Miss J. Rom.-com. réalisée de manière sage, un peu maladroite, mais avec une modestie de bon aloi. Celle-ci commence d’ailleurs plutôt bien pour s’effilocher, s’essouffler et s’achever assez vainement. Mais, sauf si l’on est totalement allergique à la publicité, pas de quoi se mettre en colère : quelques moments sont assez drôles, Louise Bourgoin (Alice, l’aimée) est ravissante et désirable, et si je n’ai pas été sensible au charme de Gaspard Proust (Marc Marronnier, l’aimant), très tête à claques, il n’y a rien de déshonorant à son interprétation. Le reste de la distribution est un défilé de célébrités germanopratines, d’Alain Finkelkraut ou Ali Baddou, dans leurs rôles, à un Joey Starr, très mauvais dès qu’il commence à jouer ce qu’il n’est pas.

L'amour c'est avoir ensemble les dents blanches

Ce processus de cannibalisation d’un milieu et de ses critiques est central à toute campagne menée avec intelligence: ne pas être en antagonisme avec ses adversaires, mais les incorporer à son message et son milieu, se les approprier. Ce détournement des symboles est symptomatique de la publicité et est admirablement orchestré ici : on trouvera donc de quoi plaire à tout le monde, des romantiques aux cyniques, des amateurs de haute culture aux fans de culture populaire, des admirateurs aux contempteurs du clinquant. On peut néanmoins se sentir mal à l’aise devant cette leçon d’ambiguïté morale (de lâcheté ?), de copinage et d’autopromotion par l’autodérision, tout en respectant la franchise du réalisateur qui se dépeint comme un grand bourgeois gentiment débauché, très égocentrique, trop apitoyé sur son sort, souvent obscène, à la limite du mépris.

C’est d’ailleurs ce manque d’amour pour lui-même et pour les autres qui marque, alors que Edouard Baer, qui peut souffrir de travers similaires, tant dans la déprime que dans la fête, exsude charme et générosité jusque dans les plans les plus incongrus du culte La Bostella ou du très raté Akoibon, Frédéric Beigbeider n’a pas réussi à me faire penser qu’une affection ou un intérêt réel le liait à ses acteurs. Le produit qu’est son film est en conséquence lisse, gentiment satirique, visible sans plus, mais sans moins non plus. Un produit. Juste un produit.

En résumé : Un petit con prétentieux essaie de nous donner des leçons sur l’amour. Quand il saura ce que c’est, il pourra venir parler, en attendant qu’il aille se faire f*****. Si je puis me permettre.

This romantic comedy, penned by former ad man-turned-writer Frédéric Beigbeider and reeking autobiographical undertones, irritated me.

It stars a self-centered Germanopratan pseudo-intellectual in dire need of a system reboot of his values, backbone and emotional integrity: literary critic and soon-to-be superstar author Beigbeider Marc Maronnier (Gaspar Proust). He kicks off the proceedings vomiting all over himself after the ‘mysterious’ breakdown of his marriage, agonizing over the strangely uncompelling question of how all the passion could have run dry. And with two such charming, altruistic people in the relationship! Still, it gives him inspiration for a bitter book about relationships, “Love Only Lasts Three Years’, which is initially trounced by a stream of editors, who basically recommend he never put pen to paper again for the good of humanity. And Amen to that.

Louise Bourgoin then comes onto the scene as Alice. They meet at Marc’s grandmother’s funeral in the gorgeous (tourism board sponsored?) Basque country. These guys really know how to act classily at a funeral, getting wasted and flirting to death – Alice is married to Marc’s cousin, but it’s lust at first sight. Marc isn’t too constrained by the awkward family ties issue, and proceeds to hotly pursue Alice, while various other subplots limp along. JoeyStarr is there in the role of pointless friend, but does bring one of the most awkward man on man kisses I’ve ever seen. Credit where it’s due, there are some great satirical moments in places – the presentation of the Parisian literary scene is hilarious, particularly Marc’s acerbic editor at Grasset (impeccable Valérie Lemercier).

Yes, the Basque coast is stunning. If we can just get these two idiots out of the shot.

What really oozed from all this, though, was bland, superficial coldness. The characters are spectacularly self-involved and it stinks. The worst moment for me, which summed it all up pretty well, was how a homeless person is used as a prop for a gag – Marc falls asleep on the poor guy’s shoulder while moping around waiting for Alice. The homeless thing contrasts depressingly to this world populated by people whose biggest problem is to have too many good options in their lives. Who have their nice apartments, clothes, consumer products, super privileged, drowning-in-good-things lifestyle, and who can’t see more than two millimeters in front of their own noses. Didn’t care about them, wasn’t surprised they were in thrall to a lust gratification compunction, didn’t care, felt annoyed. A ‘product’ of a film without any hint of a soul. Blech.

In a nutshell:

Alors que la France a perdu 33 places depuis la création du baromètre de la liberté de la presse en 2002 et se retrouve, étourdie, un peu honteuse, à la 44e position (sur 178), tandis que le journaliste Augustin Scalbert fait grincer quelques dents avec son ouvrage “‘La voix de son maître’ France Inter et le pouvoir politique 1963-2012“, Gilles Balbastres et Yannick Kergoat proposent un documentaire grinçant reprenant l’ouvrage pamphlétaire de Serge Halimi, dans lequel l’auteur attaque sans ménagement les figures les plus connues et les plus présentes du monde médiatique.

J'ai été partout sauf à "Je suis partout" témoigne Duhamel

Dénonçant avec hargne l’univers de connivence de ces quelques grands (Ockrent, Joffrin, Drucker, Elkabbach, Calvi, Chabot, Duhamel, Barbier …), les deux journalistes exposent les liens et les rapports intimes de la quarantaine de vedettes médiatiques avec les plus hautes instances politiques et surtout financières et économiques de notre pays. Pour Kergoat et Balbastres, le journalisme aujourd’hui est bien plus de révérence qu’utile contre-pouvoir, à l’instar des philosophes des années 1930 honnis par Nizan. La charge est lourde et les images cruelles. Difficile de ne pas rire devant l’obséquiosité ou la servilité de certains devant les puissants, devant l’incapacité de Ferry (de droite) et Juillard (de gauche) à être en désaccord dans leurs débats hebdomadaires supposément contradictoires, devant la fatuité d’Alain Minc tandis que ses analyses et ses évaluations sont contredites au fil du temps par les faits et par l’Histoire, devant la flagornerie éhontée de Jean-Pierre Elkabbach et Michel Drucker face à leur patron Arnaud Lagardère.

Les attaques sont frontales, souvent ad hominem et s’il n’y a pas démonstration, en dépit de leur plan en trois parties ironiques (“indépendance, objectivité et pluralisme”, maîtres mots supposés de la profession), il y a en revanche une jolie illustration du conformisme des journalistes et de leur flirt constant avec la corruption que la proximité du pouvoir amène. On ne peut que regretter que la majorité de la presse soit aujourd’hui aux mains de quelques uns. Et on ne peut être qu’effaré devant le cumul des postes et des temps d’antennes de certaines vedettes, l’omniprésence de quelques experts et les multiples renvois d’ascenseurs d’un petit groupe de privilégiés. Ce clientélisme choque bien sûr mais il est affaibli par le propre réseau des réalisateurs qui font appel à un groupe restreint de spécialistes dont on ignore les références et qui semble tous partager le même avis.

Six patrons c'est plus qu'il n'en faut pour une presse pluraliste

De plus, si le montage alerte accentue le comique des interventions des “nouveaux chiens de garde”, il nuit à l’analyse, l’image ou le son frappant l’emporte sur le rationnel. Les raccourcis ne servent pas le propos car bien vite on se retrouve face à l’idée simpliste du “tous corrompus, tous coupables”, or il serait intéressant de donner la parole à “l’ennemi” mais surtout au public qui apprécie et regarde les émissions décriées par ces documentaristes militants. Ce manque de perspective empêche donc de savoir si certains travers sont volontaires, idéologiques ou simplement structurels et l’argumentation en devient bancale. Ce qui est bien dommage car nombre des exemples démontrent bien l’instinct grégaire des gens de presse, leur évidente prudence devant la puissance de l’argent, leurs accointances avec certains milieux (de Sciences-po au cercle “Le Siècle”) et les dangers d’un journalisme inféodé sans véritables voix alternatives.

Moins d’un citoyen sur deux croit à l’indépendance des journalistes à l’égard des pouvoirs selon La Croix et TNS-Sofrès … ce film imparfait mais très distrayant ne les guérira pas de leur scepticisme.

En résumé : Un très bon moment et le plaisir de voir deux documentaristes brancher leurs caméras à l’instant exact où les vedettes de la télévision se laissent aller à donner la papatte et à faire le beau quand un peu d’esprit critique serait nécessaire.

This is a pretty interesting documentary, which takes up Paul Nizan’s 1930s attack on philosophers in France for cozying up to the interests of the bourgeoisie, to apply it to the modern-day French media, and the business megaliths behind it. It’s based on a book of the same title that was originally published in 1997 by Serge Halimi. There’s more than a sprinkling of a Michael Moore documentary to it: humour is regularly galvanised to keep things interesting, and objectivity is not the central concern. A good bit of – in this case, Communist minded – pamphleteering is on the cards.

It highlights the extent to which a privileged, golden elite tend to dominate the media, not least when it comes to the economic ‘experts’ who are wheeled out at given times to explain what’s going on to the plebs – and who, as the documentary takes care to point out, failed to see the financial crisis coming and once it had, proceeded to downplay it, as limply apologist as they come. Some entertaining hidden camerawork carried out while lurking outside one of Paris’ finest restaurants shows how high ranking politicians, business moguls and media figureheads all come together for a top notch lunch once a month, to work out how to coordinate their efforts in their respective lines of work. Tis all a class conspiracy, we learn.

Journalism, glorious journalism

We had the luck of watching this with a most enthusiastic, excitable crowd of cinema-goers, to the point that spontaneous rounds of applause were shared at various moments. It was a particular joy to watch some crafty montage make mincemeat of various media figureheads. However, the extent to which The Media was lumped together as one neolithic, gold-plated entity hell bent on trouncing the working class lacked nuance, and also failed to take into account the role public demand plays on what the media provides: the public are presented as a helpless victim in the face of a barrage of manipulation – and, talking of which, this documentary seemed pretty keen on manipulation itself. But! It was entertaining and engaging, not to mention thought provoking. I had a splendid time.

In a nutshell:

Le merveilleux cinéma de Wellington dont je faisais récemment les louanges m’a proposé une carte de fidélité, me donnant droit à un café gratuit après 5 films et à une place gratuite après 10 films, et ça me fait plaisir, si bien que je n’ai pas résisté à l’envie de faire chauffer la carte en question – c’est donc avec plaisir et sur le chemin d’un café offert que je suis allée voir The Iron Lady, dont tout le monde cause depuis un moment.

La Dame de Fer se mettra-t-elle à dos Mlle L. ?

Le saviez-vous, je n’aime pas me rallier à l’opinion générale. Le consensus me fait ricaner, les enthousiasmes collectifs attisent ma mauvaise foi et mes grognonnes humeurs. Aussi m’attendais-je avec un certain satanisme à descendre en flèche (et avec plaisir) la performance tant louée de Meryl Streep. Bon, en fait, elle est vraiment balaise, la nana, parce qu’avec tous mes aprioris négatifs hérissés, je ne peux que lui reconnaître un talent d’actrice tel qu’il confine au génie. Rien à dire. Meryl Streep m’a bluffée, elle est épatante. Son interprétation de Margaret Thatcher mérite toutes les louanges que vous avez pu lire ou entendre, et bien davantage. Il s’agit réellement d’une incarnation et jamais d’une imitation, si bien que je vais payer à l’actrice le plus beau compliment possible, à mon sens: la performance de Meryl Streep est digne en tous points de celle, exquise d’intelligence et de finesse, de Helen Mirren dans The Queen. Voilà, pas la peine d’épiloguer, tout est dit.

Meryl Streep, avec tout son éblouissant talent et son savoir faire, n’est cependant pas seule: il suffit de mentionner les délicieuses présences de Jim Broadbent et Roger Allam pour vous donner une idée du niveau des seconds rôles, à savoir, la crème.

Et Meryl s'en sort haut la main!

Le point de vue général du film est juste, parvenant à éviter de basculer dans une hagiographie qui serait inexcusable, sans tomber non plus dans le lynchage-systématique-pour-se-donner-bonne-conscience, ni la caricature. Classe, habile.

Le choix d’un déroulement non linéaire, reposant sur une série de flash back auto-imbriqués avec retour périodique sur une Thatcher en passe de gâtouiller, se défend bien; il s’agit d’un ressort facile, permettant de se livrer sans recourir à trop de didactisme, à une explication en sous-texte du caractère de l’ancien Premier Ministre. Facile, certes, mais efficace, donc bienvenu.

La photo, les cadrages, le montage font très souvent preuve d’une remarquable, et cependant toujours discrète, intelligence, enrichissant,  sans le souligner avec lourdeur, le fond par la forme.

Les dialogues sont justes, spirituels, les séquences choisies révélatrices et pleines d’intérêt; ainsi par exemple l’accès de fureur de Thatcher face à ce qui lui apparaît, sous la forme de fautes de syntaxe dans l’ordre du jour, être le reflet de l’insupportable incapacité de ses ministres. Le spectateur est ainsi placé de façon très habile dans une situation où il serait bien en peine de “prendre parti” pour ou contre Thatcher – dont l’ire, peut-être disproportionnée, reste infiniment compréhensible, et le discours recevable…

Syntaxe et bibi impeccables, pour sa politique ...

L’immense qualité du film – due essentiellement à l’intelligence de la performance de Meryl Streep – est de nous montrer, sans souci de dogmatisme ni de prêchi-prêcha, une femme de pouvoir et d’intelligence parfaitement incapable de prendre conscience (et encore moins de reconnaître) ses torts, s’enferrant dans un système de pensée où elle est seule à pouvoir incarner la raison, contre tout et tous – s’enferrant d’autant plus qu’à l’occasion, ses décisions controversées se furent avérées sinon justes, du moins payantes.

Néanmoins… Contrairement à The Queen, ce n’est pas Stephen Frears qui est aux commandes, mais Phyllida Lloyd. Malheureusement. Reconnaissons à la brave Phyllida qu’elle a souvent eu la modestie de laisser faire ceux qui savent, à savoir les technos (chef op, monteur, cadreur, acteurs…); dans ces cas-là, le résultat est subtil, brillant.

Mais ne serait-ce que pour justifier sa fiche de paie, Totoche s’est sentie obligée d’intervenir par-ci par-là, sans doute aussi pour assouvir ce désir très Hollywoodien et parfaitement insupportable de “réaliser sa vision” en tant que metteur en scène.

La Grande Bretagne réagit avec mesure à la "vision" de Totoche.

Le résultat plombe le film avec une efficacité systématique et redoutable. Phyllida Lloyd procède, malheureusement avec régularité, à américaniser ce film, qui eut été sans elle élégant et fin. Ainsi, Super Gourdasse vient nous pourrir la vue et les oreilles avec des fondus enchainés totalement minables (dans le plus pur style des “documentaires du vécu” produits par Antenne 2 dans les années 80) pour nous annoncer l’arrivée d’un flash back – plus lourdaud que ça, il y a l’écran traversé de vaguelettes, comme dans les dessins animés; effet que Phyllida s’est en outre sentie obligée de souligner (car ce n’était sans doute pas assez bourrin comme ça) avec une musique d’accompagnement (je ne parle pas de la bande son elle-même, essentiellement faite d’opéra et d’opérette, fort tolérable, mais des effets additionnels) à s’arracher les cheveux de lourdeur pataude.

En conclusion, je vous recommanderai donc très vivement de vous rendre au cinéma, à Wellington ou ailleurs, pour y voir The Iron Lady – vous y admirerez l’immense et désormais, pour moi, incontestable talent de Meryl Streep, ainsi que la très grande qualité de l’intégralité de l’équipe du film (Carl Lyons aux vieillissement en maquillage a fait, entre autres, un travail d’orfèvre). Et les efforts, pourtant assidus, de Phyllida Lloyd pour planter le film ne parviendront pas à vous gâcher la séance, même si vous ne pourrez vous empêcher de penser, en sortant de la salle, que certains producteurs mériteraient d’être pendus pour avoir osé confier ce projet délicat aux pattes malhabiles de cette grosse nouille, qui n’aurait jamais dû être sortie de son domaine de compétence, à savoir Mamma Mia en vidéo.

In a nutshell:

Nous n’allions pas manquer le dernier opus de David Cronenberg, d’autant moins que son sujet d’élection était l’adaptation de la pièce de Christopher Hampton et du livre éponyme de John Kerr, A Most Dangerous Method, narrant les 6 années d’échanges des deux pères de la psychanalyse, Freud (Viggo Mortensen) et Jung (Michael Fassbender), d’un lien méconnu entre eux, la Russe Sabina Spielrein (Keira Knightley), patiente et amante du second, puis collègue et confidente du premier, avant de devenir la Françoise Dolto de son époque.

Mais où est la main gauche du Dr. Jung?

Cronenberg ne surprend pas par le choix de ses  thèmes, logiques dans sa filmographie (la sexualité, la maladie, la science, la figure du père, la rivalité entre frère), mais bien plus par le style de son film. En rien viscérale, il propose au contraire une oeuvre cérébrale, académique, parfois empesée, rappelant bien plus James Ivory que La Mouche ou eXistenZ. La violence est morale plutôt que physique et les mutations, les transformations par lesquelles passent le Dr. Jung tordent l’âme plus qu’elles ne déforment le corps. Le spectateur s’attache au jeune et brillant psychiatre suisse, le voit adopter cette nouvelle méthode autrichienne et suit les transformations que cette analyse de la psyché amène dans sa vie et celle de sa patiente. Leur relations évoluent, une douce perversion et un érotisme latent envahissent la vie intègre et protestante du médecin tandis qu’il partage avec son mentor viennois les progrès indéniables de sa belle hystérique, aux pulsions sadomasochistes.

De manière très théâtrale – le cinéaste perd de son rythme dans quelques échanges de lettres ou quelques discussions longuettes -, Cronenberg expose à la fois le trouble qui lie thérapeute et malade et celui qui se créée entre Freud, figure tutélaire et père de la psychanalyse, et Jung, héritier trop brillant et trop novateur. Le réalisateur montre le coup de foudre intellectuel que Carl Gustav Jung subit et sa déception grandissante, devant le refus de Freud à se remettre en cause, son intolérance aux initiatives théoriques de son protégé, sa volonté à n’utiliser exclusivement que le sexe comme étalon. La fracture qui, s’élargissant, finira par les séparer prend plusieurs formes, dont celle notable du très libertaire Otto Gross (Vincent Cassel), mais l’un de ses visages fondamentaux est celui de Mlle Spielrein.

Parfois un cigare n'est qu'un cigare.

Le film, par la densité de ses thématiques, par le talent de ses interprètes et celui de son réalisateur offre de nombreuses pistes de réflexion et pour quelqu’un qui s’intéresse un peu à la psychanalyse et à son histoire, il peut même devenir tout à fait fascinant. Ce n’est pourtant pas totalement emballé que je suis sorti de la salle de cinéma. Cronenberg ne réussit pas aussi parfaitement que dans ses derniers films à maintenir une tension dramatique suffisante pour que l’esprit ne vagabonde pas çà ou là, et quelques scènes superbes ne font pas oublier quelques autres de moindre intérêt, conventionnelles et bavardes. La femme de Jung est par exemple traitée de manière bien mécanique et superficielle.

Ajoutons que Mlle Knightley n’est peut-être pas l’actrice la plus adéquate pour incarner Mlle Spielrein. Son interprétation de l’hystérie, dont elle n’a en rien à rougir, est si classique que l’on ne peut s’empêcher de voir l’actrice derrière le personnage, de plus, lorsque dans la deuxième partie du film elle finit par séduire son thérapeute, on ne peut s’empêcher de tiquer car si ses charmes physiques vont de soi, elle n’incarne pas le brio intellectuel, la puissance d’innovation et de perception qu’a eu par la suite la vraie Dr. Spielrein. Ayant la chance de partager mon quotidien avec plus d’un docteur, Miss J. – pardon ! Dr. J. – peut en témoigner, il faut plus qu’une jolie plastique pour convaincre un jury de thèse, même si cela peut aider.

La fameuse relation privilégiée entre patient et thérapeute

Enfin, et là, M. Cronenberg n’y peut rien, nous avions notre propre hystérique dans la salle. Il fut en conséquence complexe de se laisser pleinement emporter par le film, quand après une vingtaine de minute, un homme s’est levé du premier rang a remonté les rangées du cinéma, s’est arrêté au dernier rang et s’est mis à insulter ce film “bouffon, de bouffons, pour les bouffons”, avant d’aller tenter, en vain, de se disputer avec un couple assis trois rangs plus bas, pour s’asseoir ensuite en milieu de salle attendre une vingtaine de minute se mettre à maugréer et vitupérer comme s’il avait un chat possédé dans la gorge et que l’exorcisme prenait effet, pour finalement aller se repositionner au premier rang et attendre la fin du film pour reprendre son délire.

Ce peut être troublant.

Mais, somme toute, malgré toutes ces imperfections, intérieures ou externes au film, A Dangerous Method intéresse, stimule et, comme l’écrivait M. J.M. dans son top 10, offre des émotions intenses, en rien négligeables. La partition est classique, mais elle belle, puissiez-vous y être sensible.

En résumé : Quand Jung se met à la psychanalyse d’une jeune russe hystérique, la tension sexuelle est palpable. Un drame très visible sur les difficultés de se lancer dans la psychothérapie. 

I had been really looking forward to watching David Cronenberg’s latest production, A Dangerous Method. It’s a sleek drama tracing six years of Carl Jung’s early psychoanalytic career (Michael Fassbender), his doomed correspondences with his father figure Freud (Viggo Mortensen) and, most spectacularly, his affair with his own patient, Sabina Spielrein (Keira Knightley), a classically hysterical, brilliant Russian chosen by Jung as a guinea pig for psychoanalysis. Her treatment goes splendidly, if by splendidly one means a dramatic reduction in hysteria accompanied by explosive patient-doctor sexual tension.

Fassbinder’s performance as Jung was somewhat mesmerizing, although perhaps I was just goggle-eyed with astonishment that this could be the same person who’d starred in Shame. While it feels as though some actors insert a similar persona into whatever film they star in, Fassbinder here was startlingly different and conveys Jung’s dilemmas and obsessions with panache. We see Jung struggle between admiration and frustration with Freud’s inflexibility regarding the limits of psychoanalysis. Jung grows a tad tired with Freud’s fixation on sexuality as the motor of the unconscious, while Freud grows exasperated with Jung’s preoccupations with synchronicity and the realm of the spiritual and the symbolic.

Just another Jungian psychoanalysis session

The film feels brittle at times, as if handled with kid gloves – there seems to be a reticence to step away from a clipped, almost antiseptic representation of the story. Its carefully stylised, costume drama elements feel overbearing at times. The violence of the characters’ emotions is kept hemmed back and largely ‘stuffed away’. In some ways this is quite fitting, as it allows for a sense of diffuse foreboding to seep into the whole fabric of the film, rather like a difficult-to-pin-down neurosis. Overall however I found it pretty riveting viewing, especially in terms of its explorations of two brilliant frontrunners of a new treatment philosophy feeling their way forward, all whilst grappling with their own desires, egos and delusions.

As Monsieur D. has already reported, we were also ‘treated’ to our very own nutter in the cinema where we saw the film – an appropriate film for it to happen – we got shouting, ranting, rambling about the cinema, strange gagging noises, and eventually, mercifully, relative periods of peace and quiet. It would have been good to see what Jung and company would have made of it.

In a nutshell:

C’est plutôt solitaire et triste une ville la nuit, en tout cas pour le taciturne commandant Weiss, un policier de la brigade mondaine (charismatique Roschdy Zem) faisant le tour de son territoire, Paris et ses bars, ses boîtes, ses lieux de perdition. D’autant plus que l’homme est sous la surveillance de l’IGS (l’inspection générale des services), et les boeufs carottes veulent le faire tomber pour corruption. L’est-il ou non, corrompu, le spectateur le découvre doucement en même temps que son chauffeur/partenaire d’une nuit, la brigadier débutante Laurence Deray (L. Deray pour nos amis gastronomes), interprétée par une Sara Forestier – Dieu merci – presque muette.

Le seul choix discutable de film sombre et félin, épais comme de la crème.

Pour jouer un instant au sémioticien, l’affiche ci-dessus vous décrit bien le film, les lumières festives du Paris nocturne sont extérieures à la concentration renfrognée de Weiss (dont le nom est également parlant, blancheur allemande à la lecture, devenant vice anglais une fois prononcé), statique malgré l’arrondi du pare-brise qui indique la voiture et donc le déplacement, ainsi que, peut-être, un rappel discret au scaphandre des astronautes et à leur solitude tandis qu’ils flottent dans l’espace glacé. Et cette balade séduit car le travail de Philippe Lefebvre refuse tout spectaculaire pour se concentrer sur la réalité d’un travail de police indispensable et peu évident.

Tandis que s’esquisse une guerre de territoire feutrée entre deux propriétaires de boîtes de nuit, l’ambigu n°1, Tony Garcia (Samuel Le Bihan), et son gourmand et peu honnête dauphin, Jo Linder (Jean-Pierre Martins), Weiss, chargé par sa fonction de décider qui ouvre et ferme tout établissement à Paris, se voit instrumentalisé par les deux clans. Un piège se referme tandis que l’on comprend que le dangereux métier de la Mondaine est de sans cesse flotter entre deux eaux, participant à un ballet d’échanges de services et renseignements qui construisent une réputation, préparent un coup ou défont une vie. Pas de coups de feu dans ce film, mais une chasse aux informations utiles, ce qui crée une tension discrète mais bien réelle, rappelant les plus belles heures du cinéma policier des années 1970.

Flic de la vieille école, voyou "new school", va y avoir distribution de mandales francophiles

Même si les qualités de ce long métrage, hésitant entre téléfilm, documentaire et esthétique assumée de film de genre, sont moindres que leurs augustes modèles, on ne peut s’empêcher de penser à Melville et de manière plus contemporaine à Michael Mann et John Gray. Roschdy Zem est un admirable héros melvillien, (presque) aussi magnétique que Delon dans le Samouraï, le scénario évoque les tensions d’appartenance et la fatalité chères à Gray, et, sans sa maestria visuelle, ni sa force dramatique, Une nuit s’inscrit pleinement dans la lignée de Collateral. Néanmoins, cette modestie ne nuit pas au projet, et l’excitation et l’inquiétude sourdent de ce joli film d’atmosphère, rehaussé par la bande originale très lynchéenne d’Olivier Florio. Lefebvre propose un très intéressant portrait-métaphore d’un service de police dans un état transitoire, à la limite de l’anxiogène, au travers de son héros, témoin privilégié d’un milieu vénéneux, aux frontières poreuses.

Il y a donc de quoi se réjouir, car, s’ajoutant à d’autres succès, nombre d’entre eux chroniqués ces derniers mois sur ce site, Une Nuit participe à la renaissance d’un cinéma français de qualité, populaire et varié. 2012 s’annonce bien.

En résumé :  Un polar de qualité sur les difficultés d’éviter la corruption au sein de la brigade mondaine.

I don’t know if I was just having a bad day, but I had a really terrible time with the French in this film – in fact, the worst time I can remember having with it since about 2001! Truly baffling. Short, clipped dialogue kept machine-gunning out of the characters’ mouths, and I was left perplexed, replaying the gargled series of noises I’d just heard over and over in my mind,  getting no closer to understanding what on earth was happening. If it had not been for Monsieur D. kindly whispering a synopsis update into my ear every few minutes or so, I would have been completely, utterly lost throughout the entire sorry affair.

Luckily, though, I was lucky enough to have a decent summary and after about half an hour, I was finally on my way to working things out for myself – or at least, enough to have half a chance at enjoying myself. Une nuit is a very decent thriller starring Roschdy Zem as Weiss, a member of the Parisian vice squad who is himself under scrutiny for corruption. We get to follow Weiss  as he does his rounds through the night, driven by a wide-eyed Laurence Deray (Sara Forestier), who is new to the assignment.

Insert edgy and utterly incomprehensible dialogue here

For an ‘alternative’ tour of Paris by night, you could do a lot worse than this film, which zips around just about every area of Paris as Weiss tries to extract information, call in favours, and has the odd shot or three. Although we find out that his close friendship with Paris’ number one nightclub owner has brought about more than a few conflicts of interest,  the overall impression is that he has little choice but to operate as he does – the job simply isn’t doable without concocting a web of favours and obligations with the main players in the Parisian nightlife scene. Overall it makes for an edgy, rewarding watch, although I must admit I would have killed for some subtitles.

Le temps passe, le temps passe et on ne sait quand écrire. Certains films nous ont échappé avant le 1er janvier, shame on us, mais nous allons essayer de rattraper notre retard. A l’instar des deux ou trois précédentes critiques de votre serviteur, il va y avoir du mou dans la corde mais n’écrit-on pas dans les saints hadiths que selon le Prophète (bénédiction et salut soient sur lui) les actions doivent être d’abord jugés par leurs intentions. Alors, Terrence, cher Maître, accroche-toi à ta palme, pas sûr que tu reconnaisses ton film, l’un des plus saillants, des plus médiatisés de l’année tout juste passée.

La grâce ! (La volonté de puissance viendra plus tard).

Deux proches dont je respecte l’opinion et le goût, bref des êtres d’élite tout comme vous chère lectrice (et vous un peu aussi ami lecteur) ressortirent chacun de leur côté tellement enchantés de The Tree of Life qu’il eût fallu être bien sot pour ne pas se sentir intrigué. C’est accompagné de la première d’entre eux, partante pour une nouvelle séance, que nous allâmes, Miss J. et moi, nous confronter à la Palme d’or cannoise de l’année 2011.

Emerveillement et déception devant cette imposante (ronflante?) fresque familiale et universelle aux accents grandioses. Malick, virtuose de l’image, propose des séquences époustouflantes de beauté, mais en choisissant un récit éclaté et un ton de prêcheur susurrant. Il dilue sa poésie dans un mysticisme alambiqué et une non-narration terriblement longue. J’ai donc été tout d’abord renversé par sa sublime ouverture, si magique, si magnifique que j’ai tout aimé jusqu’aux dinosaures – car il y a brièvement des dinosaures, dont un magnanime -, pour ensuite être assez agacé par les chuchotements pénibles de Sean Penn et la lourdeur philosophique un rien absconse de la métaphore malickienne.

Etre Sean Penn : un destin

L’homme (ici un jeune garçon qui deviendra Sean Penn, il y a pire destin) y doit, après la mort de l’un de ses deux frères, trouver le juste milieu entre nature et culture, grâce et volonté de puissance, paix et violence, mère (Jessica Chastain à tomber de beauté) et père (Brad Pitt, intense et magnétique) sur une musique classique tonitruante (dont le Lacrimosa de Preisner). Le réalisateur pour ce faire revient à la création du monde afin de nous aider à mieux comprendre que ces deux forces s’affrontent depuis toujours. Et je vous rappelle que dans la tradition judéo-chrétienne, ce genre de création prend bien six jours, et c’est ce que vous ressentez dans votre fauteuil. C’est monumental, entre les hauteurs de l’Everest et le pompier d’un buste mussolinien.

Toute réaction est compréhensible pour ce film, de l’enthousiasme le plus absolu (sans doute lié à la déshydratation tant c’est long) jusqu’à la détestation la plus totale (peut-être lié au bail qu’on vous oblige à signer à l’entrée) car on y trouve de tout, moments embarrassants comme instants glorieux. Panache d’un projet original et ennui devant une baudruche métaphysique esthétisante … déception et émerveillement. Pour moi le premier sentiment prima sur le second, je le déplore mais espère, espère, sans doute un peu en vain, d’autres Moissons du Ciel et que Malick le funambule reste sur sa Thin Red Line plutôt que de chuter dans le Nouveau Monde d’un Thoreau pour les snobs ou d’un Heidegger pour les nuls.

En résumé :  Ce film de Terrence Malick m’a laissée complètement froide.

Terrence Malick’s Tree of Life pretty much polarized critics at Cannes last year, where it won the Palme d’or. There were boos and cheers in equal measure after the screening, and we were certainly intrigued to go and find out what all the fuss was about. I’m afraid I was one of the people who really couldn’t understand what the point of the whole ridiculously long venture was. Some kind of overarching metaphysical directorial ambition was at stake apparently, but all I can (vaguely) remember was a grating narratorial whisper, some spectacular but gradually tiresome cinematography, and some characters (Brad Pitt et al) struggling to come to terms with small to giant sized disappointments in their lives. I’m happy for anyone who did find it momentous and stirring cinema, however.

In a nutshell:

Depuis la Nouvelle Zélande, où poussent conjointement le rigolo kiwi poilu, les arbres bizarres et les insupportables films, pleins d’effets numériques qui me collent la migraine, du fatiguant Peter Jackson, voici la critique de Sherlock Holmes, a game of shadows – laudative je vous le dis d’avance, car les conditions de visionnage ayant été absolument délicieuses, les qualités intrinsèques du film me sont apparues décuplées.

Et pourtant je suis en règle générale hostile d’avance aux suites – pièges à nigauds et réchauffage fadasse d’un succès passé; je suis également, et par nature, irrémédiablement hostile à Jude Law, qui m’agace, m’agace, m’agace, sans raisons car il est plutôt bon, cet acteur, c’est du délit de faciès, je l’admets mais ça ne change rien, Jude Law, il m’agace, voilà.

Bien. Et puis il y eut ma découverte récente et accablante que Robert Downey Junior, à qui, du fait de la qualité de son jeu d’acteur, je prêtais a priori un intellect supérieur et une culture exquise, la découverte, donc, que Robert Downey Junior s’avère en fait être un gros simplet, comme malheureusement tant d’excellents acteurs. Et puis sans blague, je ne suis pas non plus fan de Guy Ritchie, faut pas me prendre pour une quiche plus que de raison.

Après la lecture de ces lignes sévères, Jude est agacé et Robert a commandé une collation.

Alors autant vous dire que les Nouvelles aventures de Sherlock Holmes, je n’y allais pas en me disant que ce serait le film de l’année 2012.

Et en fait… La chose est séduisante par bien des aspects, tant il devient rare de tomber de nos jours sur des grandes productions vraiment réussies.

Certes, le cinéma lui-même était absolument délicieux, rococo rétro et hallucinamment confortable, avec un café luxueux et une sélection de nourritures que je n’hésiterai pas à qualifier de célestes. Des fauteuils énormes, un écran neuf, pas de pubs (relisez: PAS DE PUBS), le prix des  billets très abordable et le son à un volume raisonnable, c’est à dire pas hurlant de toutes ses baffles pour couvrir le raffut ahurissant de post-ados accros à leurs iphones à la con en fond de salle. Un délice total. Ce cinéma s’appelle l’Empire Island Bay, et si un jour vous passez par Wellington, Nouvelle Zélande, allez-y, et prenez une tarte salée à leur café.

Un cinéma qui ne vous prend pas pour une quiche et vous offre de délicieuses tartes salées (ainsi qu'à Robert).

Donc l’expérience fut grandement améliorée. Reste que cette resucée Sherlockienne est en elle-même porteuse d’indéniables qualités, telles qu’un scénario qui, s’il ressemble à celui du premier volet dans les libertés prises vis-à-vis des personnages originaux, se révèle distrayant, surprenant de crédibilité (surtout comparé aux errements de Jonah Hex, rappelez vous, Malkovitch manufacturant de la destruction massive et me donnant envie de faire de même…) et efficace dans son habile dosage “surprises totalement inattendues / confortable routine prévisible”. Un équilibre difficile à achever, et pourtant atteint ici, je ne vous dirai rien de plus pour ne pas vendre la mèche, mais les personnages s’en prennent plein le nez, et certains se font même rayer de la carte sans ménagement. Hehehe.

Les images sont fort plaisantes, l’usage du numérique devient de plus en plus raisonnable, et mieux incorporé au reste du film que dans le volet précédent: ici les décors “tournés sur fond vert” se font habilement oublier, les plus extravagants, au lieu de vous jeter leur insupportable milliard de pixels à la face, ne rappelant au pire que les “matte paintings” des grandes décennies du cinema. Effort que j’apprécie au delà de toute expression. Ici, la débauche financière paie, et même se justifie, tant il est visible à l’écran que presque chaque dollar a été investi dans le concret au lieu de partir dans le vortex magique de Hollywood, où pour 30 millions de dollars vous obtenez en général une daube qui peinerait à justifier un budget total de 6000 euros.

Sherlock n'enquête pourtant pas ici sur une affaire de vol.

En un mot comme en 25 000 – ma résolution de nouvel an était d’être moins verbeuse, c’est un cinglant échec – Sherlock Holmes s’avère être un très agréable film, de belle et bonne facture, au dosage juste, pas dépourvu d’intelligence, certes commercial, mais parvenant à vous le faire agréablement oublier.

Alors rien que pour savourer un film sans placement de produit (“Wow, Captain America, you must be thirsty after winning the war! Would you care for a glass of Diet Pepsi?”), un film où le héros ne grimpe pas constamment le long de buildings de synthèse à 6 milliards de pixels / pouce, un film où vous aurez la joie immense d’entendre la musique de Two Mules for Sister Sara (Sierra Torride, Clint Eastwood et Shirley McLaine; réalisation Don Siegel) lors d’une séquence clin d’oeil éminemment jouissive, bref un film qui a su faire bon usage de son budget démesuré et qui parvient à vous offrir une grande production, au lieu d’une grosse daube, allez voir les aventures grandiloquentes de cet étrange Sherlock Holmes. Les défauts en sont minimes, et les qualités particulièrement nombreuses et précieuses, à notre époque; à condition de faire abstraction de ce que nos lectures de Sir Arthur Conan Doyle nous ont appris de Sherlock Holmes, le vrai – une licence cinématographique sur laquelle je ne trouve personnellement rien à redire, Peter Cushing à son époque incarnant déjà, dans un autre genre, un Sherlock qui n’avait que peu de rapport avec l’original.

Let the party begin – and happy New Year to you, dear reader!

Avant toute chose : Belle et Heureuse Année à Vous, Lectrice Aimée, et mes meilleurs voeux aussi pour toi sympathique lecteur, que 2012 vous apportent bien du bonheur.

Tout comme l’année dernière nous avons rassemblés nos forces, c’est à dire celles amicales et bénévoles de nos critiques invitées et leur avons demandé de nous fournir leur top 5 de leurs films préférés de cette année 2011. Chacun de nos bienveillants contributeurs nous a envoyé ses choix selon ses goûts et ses dégoûts. Certains sont commentés, d’autres nettement moins, ainsi s’expriment les différentes voix de franglaisreview. Les nôtres concluront l’exercice.

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A tout seigneur, tout honneur, Mlle L. présente sur tous les fronts et sur trois continents nous donne, en plus des ses découvertes à 3€, son top 3, parce que 5, cette année c’est un peu trop.

Top Five des films vus au cinéma et qui sont sortis en cours d’année 2011 et que j’ai vraiment aimé et que c’est mission impossible d’en trouver cinq parce que sans blague cette année j’étais beaucoup aux Etats Unis et comment voulez vous que je fasse, alors du coup j’en ai que trois mais c’est vraiment en faisant tout mon possible, je vais quand même pas mettre Captain America dans mon classement, tu parles d’une daube ! :

1. Drive de Nicolas Winding Refn

2. The Killing Jar de Mark Young

3. The King’s speech de Tom Hooper

Mon top 6 de regrets terribles que j’ai pas pu les voir et que ça me rend très malheureuse et qu’en plus y en a beaucoup d’autres que j’ai ratés mais il faut bien faire un tri déjà que je respecte pas les consignes, mais que si ces films étaient passés dans le pays de blaireaux où j’étais cloitrée ben mon top five aurait eu plus de gueule, sauf que là j’ai pas pu les voir alors évidemment :

Le cochon de Gaza de Sylvain Estibal ; Hara Kiri de Takashi Miike ; The Artist de Michel Hazanavicius ; Harry Brown de Daniel Barber ; La Fée de Dominique Abel, Fiona Gordon et Bruno Romy ; Habemus Papam de Nanni Moretti.

Ma plus grosse déception que je suis pas contente et que ça aurait dû être génial et qu’en fait c’était tout mou et mal foutu et décevant et c’est pas du boulot: True Grit des frères Coen.

Bien sûr, il y a aussi les films dont on m’a rebattu les oreilles sans répit alors que c’était crâmé dès le départ puisqu’il s’agissait d’énormes daubes (en tête de liste, Black Swan de Darren Aronovsky, parce que RIEN A SECOUER des aventures en tutus de deux casse-couilles qui devraient se contenter de faire égéries Chanel et pas venir m’emm…rder à faire actrices, bon).

Our fan of entertainment with a bang, martial arts and cool witty one liners, Mr. J.A. followed the instructions to the letter. I love when a plan comes together.

1. Super 8 by J.J. Abrams

2. Suckerpunch by Zack Snyder

3. Crazy Stupid Love by John Requa and Glenn Ficarra

4. X-Men First Class by Matthew Vaughn

5. Midnight in Paris by Woody Allen

The worst movie of 2011 : The Three Musketeers by Paul W.S. Anderson (was there any doubt, after this biting review?)

The movie he most wanted to see but couldn’t: Red State by Kevin Smith

M. J.M., en plus d’avoir presque les mêmes initiales qu’un grand studio hollywoodien a des goûts aussi ambitieux et éclectiques … et des valeurs ! Voici ses choix :

Année étrange, difficile de donner un top 5, car les films marchent par ensembles

En 1, nettement au-dessus du lot : La piel que habito de Pedro Almodovar,

En 2, une errance : Essential Killing de Jerzy Skolimowski,

En 3, trois films, chacun imparfait, mais parfois d’une émotion très intense :

Le discours d’un roi de Tom Hopper ; Habemus papam de Nanni Moretti ; A dangerous method de David Cronenberg

En 4, trois films de genre, vitesse, accélération, vitesse :
X-Men First Class de Matthew Vaughn ; Scream 4 de Wes Craven ; Mission Impossible: Ghost Protocol de Brad Bird

Et pour (ne pas) conclure, ou pour faire une transition, un film de transition (reflet très esthète du film d’Almodovar) : L’Apollonide de Bertrand Bonello.

Je n’ai pas oublié les catégories regret ou déception de l’année, mais mon tempérament ne me fait absolument rien regretter du tout et je ne suis jamais déçu par le cinéma ; en effet, je suis un mec positif, en analyse, serein, qui vit et jouit et lit et écrit et pense et rêve et voit au présent ; de telles catégories sont des réflexes de loser, certainement socialistes, soit dit en passant ; en outre, ce n’est pas une catégorie plus ou moins anonyme et en tous points conformiste qui me donnera le moindre ordre

Je n’ai pas vu Intouchables de Eric Toledano et Olivier Nakache, mais je crois que ce sera facile de rattraper cet oubli.

Déception : je ne sais pas, disons Hugo Cabret de Martin Scorsese, mais je n’en attendais rien

Surprise (voilà un terme positif et vivant, un peu fou, qui nous place dans le bonheur de l’instant présent) : L’ordre et la morale de Matthieu Kassovitz, que j’aime vraiment bien. En plus je n’ai détesté aucun des films français que j’ai vus cette année – voilà, au moins, les véritables valeurs peuvent se transmettre.

And then comes our international woman of mystery, the discreet but ever present Mlle CTP who sees more movies a day than there are hours. Her favorite 5 (well 6) are the following :

1. L’Apollonide de Bertand Bonello

2. Drive de Nicolas Winding Refn

3. La Guerre est déclarée de Valérie Donzelli

4. La Piel que habito de Pedro Almodovar

5 (et 6). Tomboy de Céline Sciamma et Meek’s Cutoff de Kelly Reichardt

Estimant que les documentaires méritent une place à part, elle ajoute en sélection parallèle : The Ballad of Genesis and Lady Jaye  de Marie Losier et La nuit elles dansent de Isabelle Lavigne et Stéphane Thibault.

Elle a raté Dernière Séance de Laurent Achard, Essential Killing de Jerzy Skolimowski (mention spéciale pour la ressortie de Deep End cette année !!) et Hors Satan de Bruno Dumont.

Sa plus grande déception ?  … eeeeuh, The Tree of Life de Terrence Mallick (ils avaient fumé des gros bouts de moquettes à Cannes ou ils avaient tous des regrets new-age ?) et Poulet aux prunes de Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi.

Mlle Clara clôt avec sa prolixité souriante habituelle les classements de nos reviewers amis. Voici les films qui ont retenu son attention :

1. Le Gamin au vélo des frères Dardenne

Je pensais être fatiguée de leurs films, de leur univers qui me paraissait un brin répétitif, et puis, paf ! un gros coup de poing dans la figure ! Quelle force, quelle intensité, quelle maestria dans la mise en scène, dans la direction d’acteur. On en sort avec l’impression que seul le cinéma peut produire cet effet-là. Chapeau bas !

2. La Guerre est déclarée de Valérie Donzelli

Grand moment de cinéma à la Semaine de la critique, avec l’intensité de la première projection cannoise. Un sujet délicat, traité avec la force de l’urgence, la témérité d’une réalisatrice qui ose des choses risquées en s’en sortant brillamment – miracle de la grâce. Un film sur une maladie mortelle, dont on sort bouleversé et plein d’envie de vivre.

3. La Piel que habito de Pedro Almodovar

Quel étrange cerveau que celui de Pedro Almodovar… Comme avec les Dardenne, on croit qu’on est saturé de ce cinéaste à l’univers si cohérent, et puis, non ! On reste surpris par l’intelligence de sa mise en scène (la scénographie de la maison, l’esthétique de la chambre de la recluse), la folie de ces histoires d’identités sexuées chamboulées… Surpris enfin par son audace dans le mélange des tonalités, le grotesque et le sublime mêlés – très hugolien Almodovar, tiens ! Oui, cette façon qu’a Almodovar de mélanger la tonalité mélodramatique qui fait monter les larmes aux yeux, et le grand guignol qui fait éclater de rire : unique ! La référence aux Yeux sans visage en arrière-plan, si glaçante, si prégnante, est aussi une belle chose…

4. Une séparation de Asghar Farhadi

Révélation pour moi d’un cinéaste dont je suis allée après coup découvrir les films précédents, tous beaux, même si je préfère encore Une séparation. Bon, beaucoup a été déjà dit sur ce film haletant, à la direction d’acteur géniale, qui nous fait pénétrer dans cette société iranienne tellement intrigante vue d’ici…

5. Melancholia de Lars von Trier

Si j’avais envie d’aimer The Tree of life (raté !), je n’avais pas du tout envie d’aller honorer ce personnage idiot de Lars von Trier après ces débiles frasques cannoises. Mais bon, la curiosité fut trop grande. Et voilà, dès le prologue, j’ai été prise ! Ici, l’ambition métaphysique, les liens établis entre l’infini grand de l’univers et l’infiniment petit de nos affaires humaines dérisoires vus de Sirius, tout cela fonctionne et émeut, jusqu’à l’acmé final qui m’a cloué dans mon siège, knocked out. Les images et les questions soulevées par le film ont continué au-delà du visionnage de me hanter…

M. D et Miss J ont demandé un top five, mais c’est un peu juste, alors voilà pour le reste des révélations 2011 de votre serviteur.

The Artist de Michel Hazanavicius et L’exercice de l’Etat de Pierre Schoeller.

Et puis encore : Shame de Steve McQueen, Drive de Nicolas Winding Refn, Tomboy de Céline Sciamma, Impardonnables de André Téchiné, La grotte des rêves perdus de Werner Herzog, My little princess de Eva Ionesco, Habemus papam de Nanni Moretti et L’Apollonide de Bertrand Bonello.

Là en revanche ce ne sera pas le pied

Mes trois plus grandes déceptions furent

1.The Tree of life de Terrence Mallick, parce que j’en attendais beaucoup et que j’avais envie d’aimer ce film ambitieux ; or impossible pour moi supporter le côté pompier des images, la dimension prêchi prêcha du message (« God, you took my son, he’s dead, it’s fine, take him, he’s yours ! » : Beurk !).

2. Carnage de Roman Polanski: autre déception d’un réalisateur dont j’attends forcément beaucoup. Pas seulement parce que Carnage est un petit film, mais aussi parce que sa misanthropie et sa misogynie m’ont semblé vaines. Et plus encore, son côté règlement de compte avec la gauche-américaine-politiquement correct-droitdelhommiste m’a paru mesquine.

3. Tintin de Steven Spielberg: encore un cinéaste dont on peut attendre beaucoup (enfin, à l’exception des fins). Impossible pour moi de supporter cette agitation de jeux vidéos, cette débauche d’effets, de caméra mouvante pour le mouvement, ce rythme frénétique sans le moindre répit. Résultat : la gerbe. Désolée !

Enfin voici le temps des regrets, dans ma bonne ville de Nice n’ont pas encore été programmé : L’Etrange affaire Angelica de Manoel de Oliveira, Dernière séance de Laurent Achard, le dernier film de Bela Tarr, le cycle Welcome in Vienne d’Axel Corti, Donoma, Honk … J’ai aussi raté : Incendies de Denis Villeneuve et Hors satan de Bruno Dumont.

A tout ceci s’ajoute un message personnel, une épiphanie :

Cette année 2011 m’aura donné la joie de découvrir (tardivement, puisque j’aurai pu, dû, les débusquer avant) deux acteurs qui ont plus que titiller la midinette qui est moi. Rien de bien original, puisque la toile bruisse des noms de ces deux phénomènes, de ces deux créatures au sex appeal maximal mais aussi acteurs émérites dont on a envie de suivre la trajectoire future. J’ai nommé, évidemment, Michael Fassbender (mon prem’s) et Ryan Gosling. Merci d’exister les gars, et si vous lisez ce blog génial, vous pouvez écrire aux rédac chefs pour récupérer my phone number.

And now here’s…

Miss J’s top 10 for 2011:

…. I shall try to be reasonably concise.

1. Habemus Papam (Nanni Moretti) – sparklingly absurdist, compelling viewing as the Pope has a meltdown.

2. Pina (Wim Wenders) – a fine tribute to one of the twentieth century’s great choreographers.

3. Tyranosaur (Paddy Considine) – a powerful and moving drama that transcends clichés of victims and persecutors.

4. Le Havre (Aki Kaurismäki) – a touching, uplifting film about generosity and solidarity.

5. La Fée (Dominique Abel) – original and offbeat in a great way, who wouldn’t want three wishes from the fairy of Le Havre?

6. The King’s Speech (Tom Hooper) – an impeccably polished exploration of performance anxiety.

7. Moneyball (Bennett Miller) – another of those sports movies that digs down to lots of interesting universals.

8. Intouchables (Eric Toledano) – two ‘untouchables’ help each other back to life in the French comedy of the year.

9. Le Cochon de Gaza (Sylvain Estibal) – bittersweet comedy with dark satirical undertones and a storming performance by a pig.

10. The Sound of Noise (Johannes Stjärne Nilsson and Ola Simonsson) – audacious musical mayhem.

Miss J’s top three popcorn movies of the year:

 1. Rio (Carlos Saldanha) -  Feel-good music, bright sunshine, great animation, strong storyline – the perfect mood-lifter!

2. Friends With Benefits (Will Gluck) – sit back, unplug brain, smile and crunch popcorn.

3. Mission Impossible 4: The Ghost Protocol (Brad Bird) – far, far funnier than expected and as high energy as it comes.

Miss J’s top three ‘kill me now’ movies of the year:

1. The Cave of Forgotten Dreams (Werner Herzog) – very much wanted to care, but it was SO DULL.

2. The Lady (Luc Besson) – ugh, the soundtrack. Just thinking about it makes me want to retreat to a darkened room and whimper.

3. Hereafter (Clint Eastwood) – excruciatingly bad. As invigorating and engaging as drying paint.

Finally, three films I regret missing so far: The Artist, La Guerre est déclarée, We Need to Talk about Kevin.

Et si vous avez eu le courage d’atteindre le bout de cette page, voici le classement de mes films préférés vus en 2011, et si j’en crois ces résultats, ce fut une année durant laquelle j’ai eu besoin de rire.

1. Pina de Wim Wenders – parce que le travail d’une chorégraphe extraordinaire filmé par un réalisateur de talent crée des étincelles jusque dans l’âme

2. Habemus Papam de Nanni Moretti. Michel Piccoli est grand, beau, touchant, Moretti est caustique et tendre et la comédie vaticane subtile, j’en reveux.

3. Une séparation de Asghar Farhadi. Les acteurs sont à tomber tant ils ont la grâce, le réalisateur impressionne, l’histoire de ce divorce n’est jamais manichéenne et est universelle.

4. Tyrannosaure de Paddy Considine. Parce que Dinard recèle des pépites de cinéma britannique avec des morceaux de bravoure dedans, parce que ce drame social est puissant, percutant, émouvant et les acteurs dignes des plus beaux éloges

5. The Sound of Noise de Ola Simonsson et Johannes Stjarne Nilsson. Haletant, drôle, original et musical, que dire de plus !

6. The Trotsky de Jacob Tierney – parce que ce film hégélien a été fait pour moi, que l’histoire se répète toujours deux fois, que la seconde est une farce et quelle farce ! Et j’ai parfois la nostalgie de Montréal.

7. La Fée de Dominique Abel, Fiona Gordon et Bruno Romy. Poétique et clownesque au sens le plus noble.

8. Le Discours d’un roi de Tom Hooper – parce que ce film tout classique et conservateur qu’il est a du souffle, que Colin Firth y est magnifique, et que ce conte de fée royal m’a séduit.

9. L’Irlandais de John Michael McDonagh. Des acteurs superbes, des répliques qui font mouche, une caméra nerveuse enthousiasmante, LA comédie policière de l’année !

10. Intouchables de Eric Toledano & Olivier Nakache. Ce classement est clairement un hommage aux comédies (vues en 2011), et Intouchables réussit si bien dans l’art ô combien difficile que de faire rire, que l’on est tenté d’aller le revoir pour savourer pleinement les plaisanteries alors masquées par l’hilarité des salles. En plus, un film qui offre un podium à un handicapé moteur, un oeuf Fabergé et Omar Sy méritent qu’on le remarque.

Les trois films qui m’ont déçu ne seront pas en tant que tel les pires films de 2011, enfin pas forcément. Trop facile de dégommer un film de Christophe Honoré, Hollywoo ou Les Immortels. Toute personne qui avait un espoir en entrant dans la salle se mettait d’avance le doigt dans l’œil jusqu’au coude. Et pas évident avec un coude dans l’orbite de se concentrer sur l’écran.

Ainsi, là où mes espoirs furent déçus, piétinés, coupés en morceaux, noyés puis pendus :

1. Incendies de Denis Villeneuve. Une histoire absurde, ca veut faire renouveau de la tragédie grecque et ça n’est que fantasmes adolescents lourdauds et exotiques (parce que si le Liban, ou même le Moyen Orient c’est ça …) je reste encore incrédule que tant de gens que j’apprécie aient aimé ce film.

2 Behold the lamb de John McIlduff. Raté, tout simplement raté.

3. The Tree of Life de Terrence Mallick, qui n’est pas un mauvais film, mais tant de beautés pour tant d’ennui, je n’ai rien contre les dinosaures ni les métaphores filées, mais tout cela m’est apparu assez vain.

Enfin trois films manqués, “flûte”, mais nos chroniqueurs en disent tant de bien que s’éveille une certaine curiosité, alors espérons qu’un jour, si les Mayas nous en laissent le temps …

1. La Guerre est déclarée de Valérie Donzelli
2. Essential Killing de Jerzy Skolimowski
3. La piel que habito de Pedro Almodovar.

Bonne année à toutes et tous ! Happy New Year et vivent les milles visages du cinéma.

In a nutshell:

Ca va sentir la fin d’année ce film vu dans la touffeur de l’été, si c’était bien en été, et depuis largement oublié. Je peux vous dire que Mr. J.A. et sa charmante épouse auraient dû être présents … je crois. Mais finalement furent empêchés et le virent un autre jour. En revanche, Johnny Depp étaient là, mais sur l’écran, il cabotinait à en faire oublier qu’il est un acteur subtil et doué. Cherchant à se régénérer la franchise de Pirates des Caraïbes n’a pas trouvé mieux que de prendre cette nécessité au pieds de la lettre et c’est la Fontaine de Jouvence que Jack Sparrow (Depp) recherche dans ce quatrième épisode.

Quand j'étais petit, je voulais être pirate ou policier, pour pouvoir jouer avec la sirène

Pas de représentation de Bosch ou de Cranach pour cette fontaine qui donne l’immortalité mais la réinterprétation du mythe populaire qui voulait que l’explorateur Juan Ponce de Leon, compagnon de Christophe Colomb, soit parti à sa recherche pour, dit-on, guérir de son impuissance. Ici on fait confiance à Penelope Cruz (Angelica Teach dans le film) pour cela, et le successeur du brave Ponce de Leon se déplace pour la gloire de la couronne espagnole et celle de la croix. Je ne sais d’ailleurs pas pourquoi je vous en parle car ce n’est pas lui que nous suivons mais les différents pirates habituels qui ont, eux, de moins nobles ambitions. Barbe Noire (McShane), Barbossa (Rush) et Sparrow se disputent à qui mieux mieux de combats navals en chasse à la sirène, de mutineries en duels au sabre. Tout ceci est bruyant, raisonnablement spectaculaire et suffisamment distrayant pour combler alors nos envies d’ailleurs océaniques et adrénalinés.

Je ne me souviens pas de beaucoup plus, je n’aurais pas dû finir cette bouteille de rhum, si ce n’est que Rob Marshall s’est plutôt finement tiré de cette réalisation, un numéro 5 est en préparation et les critiques qui comptent, dont Mr. J.A. ont trouvé qu’il était presque aussi réussi que le numéro un. Ce qui n’est pas rien.

En résumé: Ci-après une petite critique en anglais d’un film sympa que j’ai presque complètement oublié. Enjoy!

I can only admire Monsieur D for dredging up as much as he has about Pirates of the Caribbean 4 – The Fountain of Youth. Personally I am left just with a few blurry memories of Johnny Depp being swashbuckling whilst touting thick black eyeliner, Penelope Cruz smoldering, and lots of pirates running everywhere, occasionally having run-ins with hot mermaids with bloodthirsty tendencies. I’m pretty sure I had a decent enough time, but I can only urge my future self not to wait six months before trying to review a film as amiably generic as Pirates of the Caribbean. That said, it was much better than number 3 in the series, which was dour and awful, whereas I’m pretty sure this one was much funnier and with much more pep.

In a nutshell:

Comme ma dernière critique l’expliquait brièvement, j’ai beaucoup aimé Pina, Miss J. également, nous nous sommes donc empressés d’aller voir un autre documentaire sur le travail de cette grande chorégraphe allemande. Réalisé par Anne Linsel et Rainer Hoffmann, Les Rêves dansants suit le projet de Mlle Bausch de monter avec des adolescents lambda du Wuperthal sa création de 1978, Kontakthof, dont les mouvements naturels n’obligent en rien à une forme de corps particulière ou à un entraînement d’athlète professionnel.

Transmettre l'art de Pina, ça décoiffe!

Alors que le spectacle se monte bon gré mal gré, on suit ces jeunes amateurs de 14 à 18 ans apprenant à vivre et à s’épanouir au travers des répétitions. On voit que le plaisir et l’effort alliés à la patience peut déboucher non pas sur la perfection mais sur quelques moments de grâce. On perçoit bien la force du travail de Mlle Bausch puisque la chorégraphie impressionne, presque malgré ses interprètes. C’est un joli hommage durant lequel on voit que les maladresses et le mal être des adolescents rencontre un écho formidable dans la vitalité, la violence et l’intensité de cette chorégraphie contemporaine.

Si les caractères des jeunes gens se révèlent, on reste en revanche assez ignorant de ce que signifie le travail de Pina Bausch. Nulle explication, nul cadre historique, aucune pédagogie ne vient soutenir le spectateur ignorant l’univers de la danse et plus encore celui de la danse contemporaine. Cela ajouté au souvenir récent de l’oeuvre de Wim Wenders, pour mon goût supérieure en tout à ce gentil témoignage, diminue la force de celui-ci pour me laisser avec un souvenir plaisant et éphémère, sans plus.

En résumé : un documentaire émouvant mais dénué de contexte sur des adolescents originaires de la ville allemande de Wuppertal qui préparent une nouvelle version de Kontakthof de Pina Bausch. 

Very soon after we saw the wonderful Pina, we went on to see Tanztraüme, an engaging documentary set in Wuppertal, the city where choreographer Pina Bausch spent much of her working life. In it – not that much is explained about the project, sadly – a group of teenagers selected by audition from various secondary schools in the city are carefully trained up to perform Pina’s wonderful 1978 choreography Kontakthof. Pina puts in regular benevolent appearances, but it’s a couple of her dancers who are in charge of the day to day running of the project, racked nerves included.

It’s a production that challenges the teenagers’ self-consciousness beyond almost all endurance, which is part of what makes it quite a moving watch. The participants have little or no prior experience of dance and are really thrown in the deep end.  You can see how much they want to participate, yet it is such a vulnerable, honest piece of choreography that it really asks a huge amount of maturity and bravery to be performed well. We see the teenagers facing up to their own inhibitions and insecurities, in a challenging but nurturing environment that proves to them just what they are capable of achieving if they only dare. The final performance is very good, and you feel like you’ve been on quite the journey with them.

Facing up to the pressure

The major disappointment, though, as Monsieur D has already written, is the fact that the project is given virtually no introduction, there’s very little by way of context, and the most of the information given demands some zealous reading of the credits once they roll. That said, this documentary made for the perfect accompaniment to Pina, and left me full of admiration for the courage and commitment of the teenagers – and their mentors.