En résumé: Un film de Scorsese atypique qui mélange mystère et sentimentalisme, tout en rendant hommage à l’ère des films silencieux du début du vingtième siècle. C’est visuellement très beau, mais au final, l’intrigue manque de punch.
It’s been quite a while since I saw Hugo Cabret - Christmas, in fact – but in honour of this film’s nomination at the 2012 Oscars, it seemed high time to review it. This isn’t your typical punch-in-the-face Martin Scorsese production – it’s a sentimental children’s mystery story and a celebration of the golden age of silent pictures, set in Paris in 1931. The film was shot in 3D but I saw it in old school 2D, which turned out to be a bit of a pity, as the visuals were its strongest suit, and I suspect the 3D worked quite well.
Asa Butterfield stars as Hugo, a 12-year-old orphan who lives in the clock tower of a Parisian station, and has a knack for fixing gadgets. He has to take great care not to get caught by the zealous stationmaster Inspector Gustave (Sacha Baron Cohen), who has a penchant for throwing helpless orphans into cages and sending them off to the worst sort of orphanage. Hugo has custody of a splendid automaton which his father (Jude Law) had been fixing up before his death – his task is to figure out what sort of mysteries it’s concealing by locating all the missing pieces to make it work, which brings him into the path of the station’s grouchy toy salesman (Ben Kingsley). It turns out the salesman has a secret past, and Hugo seems destined to meddle with it.
Grumpy toy salesman ahoy
The film’s visuals are indeed the best thing going for it: this homage to silent pictures works its socks off to convey a sense of wonder at the technical magic that is cinema. Sadly, somewhere in the mix they forgot to pep up the plot into something more than strangely slack. It was impossible to fault the sentiments at stake, but there was almost zero tension to the thing. Worse still, the cinema where I saw it was plagued with a couple of knuckle-draggers who hadn’t received the memo about the need to refrain from talking at full volume throughout a film you (and others) have paid good money to, uh, watch. Finally they left 30 minutes before the end – sweet relief… it was more enjoyable from there. But still, this film was far from a must-see: just a nice-to-see. Let’s see how it does at the Oscars!
En résumé: L’ordre et la morale de Matthieu Kassovitz traite de la prise d’otages qui a eu lieu en Nouvelle Calédonie juste avant les élections présidentielles de 1988. Film d’action ou documentaire politique? Un peu des deux, mais ni l’un ni l’autre ne m’ont totalement convaincue.
Matthieu Kassovitz directs and stars in L’ordre et la morale, a drama about the hostage crisis which hit the French territorial island of Ouvea in New Caledonia in May 1988, in the immediate run-up to the 1988 French presidential elections. Kassovitz’s character, Captain Philippe Legorjus of the National Gendarmerie Intervention Group, is sent to the island to ostensibly broker a peace deal with Kanak militant separatists, who have taken thirty local gendarmes hostage, and killed several others. This was in a botched attempt to peacefully occupy local gendarme headquarters in order to raise their group’s profile in the run-up to the elections.
By the time Legorjus arrives, the island is already overrun by various factions of the French military, all of whom have been sent to clear up the situation as quickly as possible, indeed, ‘by whatever means necessary’. When Legorjus tries to make contact with the FLNKSseparatists, who are holding their hostages in underground caves in the middle of thick tropical jungle, he finds himself taken hostage in turn along with five of his men. There he starts to enter into negotiations with the group’s leader, Alphonse Dianou (Iabe Lapacas), who seems much more open to negotiation than might be expected given the tendency of certain French mainland politicians – not least Chirac who can be seen clashing with Mitterrand in a televised debate which features in the film here – to portray the group as extremist terrorists.
Friendly neighbourhood gendarmes on jungle treck
Legorjus manages to negotiate his freedom and to begin work on reaching a form of compromise, but the film presents his efforts as doomed from the start, because of the electioneering impetus for the French government to be seen as taking a tough stance. The film indeed begins by presenting the full-on French army attack on the separatists’ base, which freed the hostages but killed thirty militants and two French soldiers. The rest of the film is a flashback count-down to those bloody moments, a ‘how did we get here’-type affair which blames electioneering for the failure to engage in a more protracted, but less devastating, strategy of dialogue. Failure to do so leaves Legorjus stuck in the middle, with a sense of great injustice.
L’ordre et la morale has proved controversial with certain politicians and residents of Ouvea alike. The island refused permission for the film to be shot there, and the film will not be screened in New Caledonia, as the owner of the only cinema in Noumea, its capital, judged the subject matter too sensitive. The UMP boss of the southern province of the island, Pierre Frognier, has criticised the film as overly subjective and ‘caricaturised’, while relatives of the dead have commented that it has rubbed salt in old wounds.
Fanning the flames of an old controversy
None of this of course answers the question as to whether it’s a good watch or not. I found the film’s hybridity between political documentary and tense action thriller a little awkward. There was no great dramatic tension as the ultimate military crack-down was the first thing we saw, which left the documentary side of things, which while interesting, I personally find more edifying in archive format – perhaps that’s the researcher in me – indeed the film’s website has a good compilation of just such archives. I also couldn’t easily forget that I was watching Matthieu Kassovitz the actor rather than Philippe Legorjus, and although his performance is entirely to his credit, it did feel a little like the Matthieu Kassovitz show, and it was sometimes hard to look beyond that.
There is an overbearing sense of caricature hanging in the air, although it’s hard to decide whether it helps to heighten the reality of the events or to distort them. It’s also certainly not a film to watch if you’ve got a headache of any sort as it crashes and booms from start to finish. It is however well played by all concerned and, when I look at the archives, often eerily close to the original television footage.
La Guerre est déclarée par Valérie Donzelli mais pas par Mlle Blom qui adore le film, puissant, émouvant, en bref digne de la semaine de la critique d’où elle nous envoie cette troisième critique d’un festival 2011 haut en couleurs et en tumeurs.
In a nutshell: A moving film about a couple’s battle against their baby’s brain tumour. While it sounds like it could be heavy and melodramatic, it in fact packs an impressive punch and comes highly recommended.
Il arrive qu’un film vous donne un tel coup de poing que l’on en ressort de la salle knockout et qu’écrire à son sujet dans la foulée devient très difficile, le besoin se faisant sentir de retrouver ses esprits et de laisser se dissiper les petites étoiles qui tournent autour de notre tête après le choc.
Pourtant le film de Valérie Donzelli relève de ce qu’on pourrait qualifier de film tonique. Le sujet – des jeunes parents insouciants découvrent que leur bébé est atteint d’une tumeur au cerveau – pourrait entraîner vers les rives du mélodrame larmoyant, du drame pesant et angoissant. Mais la réalisatrice, qui incarne aussi le premier rôle de son film aux côtés de Jérémie Elkaïm, lui-même son ex-compagnon et père de l’enfant dont il va être question, ne semble avoir de choix autre que de traiter cette histoire, son histoire, sur le mode d’une ode à la vie. Cette « guerre » déclarée contre la maladie est la réponse immédiate, la seule possible pour un couple uni qui s’aime merveilleusement et qu’anime une pulsion de vie sans place pour la dépression. Bataille méthodique, obstinée, traversée de doutes et d’angoisses désamorcés très vite intelligemment par les deux protagonistes qui s’avouent leurs terreurs sur un mode tragi-comique.
Spoiler alert? Donne la mimine où tu n'auras pas bonne mine!
Ce qui est fort notamment dans le film, c’est que tous les choix de mise en scène qui pourraient facilement se révéler casse-gueule passent la rampe avec bonheur. C’est ce qu’on pourrait appeler la grâce, ou plus simplement le vrai talent de cinéaste. Lorsque Juliette-Valérie Donzelli apprend « à l’arrache » du médecin que son bébé à une tumeur au cerveau, elle est seule dans l’hôpital de la Timone à Marseille (son compagnon est resté à Paris) et le choc de la nouvelle l’emporte dans une course effrénée dans les couloirs de l’hôpital, titubante, folle de douleur, finissant par s’effondrer. Cette course est filmée comme un clip avec musique pop au volume sonore envahissant. Et ça marche. La violence de la nouvelle, violence subjectivement vécue, nous est rendue palpable. D’autant subjectivement palpable que nous savons dès le début que l’enfant de l’héroïne est atteint d’un cancer et qu’il s’en est sorti, la première séquence du film nous montrant un garçonnet autour de huit-dix ans faisant une IRM.
1-2 où est 3? Soleil!
La Guerre est déclarée ne joue donc jamais sur un suspense de mauvais aloi, chose qu’une journaliste après la projection à la Semaine de la critique, a bizarrement critiqué, comme si la réalisatrice nous avait privés d’une dimension émotionnelle en nous donnant d’emblée le résultat de la « guerre » menée. Etrange raisonnement, vraiment ! Dont Valérie Donzelli et Jérémie Elkaïm n’ont pas pris trop le temps de débattre, étant donné l’évidence de leur choix intelligent et éthique. Et pour la petite histoire du Festival, le film fut présenté à la fin de sa projection par une Sandrine Kiberlain radieuse dans sa robe de star, longs cheveux dorés bouclés flottants, car elle avait entrepris de « lancer une mode » : ayant vu le film la veille au soir, et ayant été absolument passionnée par celui-ci, elle avait décidé de défendre un film « dans lequel (elle) n’avait pas joué », parce que tous les acteurs devraient en faire autant ! Il était alors amusant de voir comment parfois Kiberlain se substituait à la véritable auteure du film pour répondre aux questions, comme si à la fois elle avait voulu voler au secours d’une cinéaste trop proche du sujet et débordée émotionnellement, mais aussi comme si l’actrice adorait tellement le film qu’elle aurait voulu en être elle-même l’auteur !
D’autres séquences de La Guerre est déclarée relèvent encore de ces audaces formelles qui pourraient tomber à plat mais qui s’avèrent émouvantes et gracieuses. Comme ce moment chanté où l’on croirait basculer dans du Demy, où Juliette et Roméo (oui, Valérie Donzelli a osé baptiser ses personnages ainsi, pour mettre à distance son histoire mais aussi la magnifier) apparaissent en gros plans surimprimés dans un Paris en pluie, champ, contre-champ. On pense aussi souvent à Truffaut pour les moments de voix off narratives au style et ton littéraires, jamais lourdes.
Le but, ne pas se mettre à dos Mlle Blom. Mission réussie.
La beauté singulière de Valérie Donzelli, visage diaphane et joliment anguleux, illumine enfin le long-métrage de son éclat subtil.
Tout au long du film, on songe aussi très fort au miracle de nos hôpitaux publics, où des enfants de parents non fortunés peuvent encore bénéficier des meilleurs traitements et réchapper d’un cancer dont les pronostics vitaux sont de l’ordre de 10%. On pense furtivement à ce film américain dans lequel une mère de famille isolée (Helen Hunt) n’aurait pu faire soigner son fils, si un milliardaire (Jack Nickolson) n’était venu à sa rescousse…
Cette guerre déclarée à la maladie n’est donc pas seulement une ode à la vie en générale, mais aussi un hommage, déclaré, lui, au générique de fin, à nos personnels soignants qui continuent à exercer dans un pays où l’on n’a pas besoin d’être riche pour survivre – pour combien de temps encore ?
Nous sommes ravis d’accueillir de nouveau Mlle Blom pour sa deuxième critique du festival de Cannes 2011. Après les délices de Woody Allen, cette fois-ci, le nouveau film de Gus Van Sant s’avère une déception….
In a nutshell: Our special envoy in Cannes, Mlle Blom, is back! On paper, Gus Van Sant’s latest film, Restless, looks promising – especially after the likes of Elephant and Harvey Milk. Sadly, it turns out wooden, unconvincing, and with a ropey soundtrack to boot.
Si hier notre curiosité au sujet du nouveau Woody Allen était forte, aujourd’hui nos attentes au sujet du nouveau Gus Van Sant n’étaient pas moindres, dans un état d’esprit évidemment fort différent, le cinéaste d’Elephant ne nous ayant pas habitué à de subtiles comédies auto-ironiques, mais à des films plutôt âpres, troublants et profonds.
Qu’est-ce qui fait qu’un film nous embarque dès la première image, puissante, envoûtante ? Qu’est-ce qui fait au contraire que dès la première seconde, quelque chose ne marche pas, dissone, nous laisse en lisière ?
Pourquoi certains plans s’imposent à nos regards avec une force qui emporte notre adhésion absolument ? Comment font-ils pour capter la réalité dans sa vérité la plus nue, la plus quintessenciée, comme il ne nous arrive pas assez souvent dans notre existence quotidienne de la saisir ? Le cinéma peut s’offrir ainsi révélateur du réel, nous apprenant à mieux regarder le monde, lorsque nous sortons quelque peu hagards de la salle obscure.
C’est ce que Van Sant sait parfois faire, à l’instar de sa manière si belle de filmer par exemple la nature dans Last days.
Hélas, Restless nous a laissé sur notre faim, étonnés de tant d’attentes déçues de la part d’un cinéaste ayant atteint déjà la maturité et qui nous avait offert récemment un grand film « populaire », fin et engagé, avec son Harvey Milk.
Plan zénithal
Revenons à cette première image du film, dont le degré de justesse est souvent déterminant pour la suite. Dans Restless, la caméra filme en plan zénithal un jeune homme, ou plutôt un adolescent, allongé par terre et qui finit de cercler son corps d’un trait de craie, comme le font les autorités à la découverte d’un corps inerte pour garder la trace du lieu du décès et la position du cadavre. Ce garçon, prénommé Enoch, se révèle obsédé par la mort, s’invitant à des obsèques de personnes qu’il ne connaissait pas, sans que l’on comprenne au départ s’il s’agit d’une simple obsession morbide d’adolescent mal dans sa peau, ou d’un symptôme plus précis.
On apprendra plus tard que le garçon a perdu ses parents dans un accident de voiture ; lui-même est tombé alors dans le coma, et n’a pas assisté aux funérailles de parents qui l’ont laissé orphelin inconsolable. Cependant, dès ces premières obsèques où Enoch s’est rendu, il a fait la connaissance d’une jeune fille de son âge, Annabel, au visage doux et souriant. Presque instantanément, une relation se noue entre Enoch et l’adolescente. On apprend qu’elle a le cancer et qu’il ne lui reste plus que trois mois à vivre.
Comment vivre un amour voué à une fin tragique et si rapide ? On aimerait entrer dans cette histoire d’un amour fou juvénile, histoire d’une lutte pour contrer la mort par la force des sentiments et l’appétit de vivre. Mais la première image du film n’augurait rien de bon : trop lourde, trop symbolique. Et la suite peinera toujours à nous faire croire à ces personnages manquant bizarrement de vérité, d’incarnation. Ils semblent tous deux des idées de scénarios, des spectres inventés pour prouver une thèse, celle de l’amour qui sauve, de l’amour qui rachète, de la vie qui vaut d’être vécue coûte que coûte même si le compte à rebours est trop rapide.
Câlin sans crédit
L’actrice qui joue Annabel, Mia Wasikowska, est pour quelque chose dans le manque de crédit qu’on accorde à la réalité de son personnage : mono-expressive, éternellement souriante, toute douleur semble chez elle anesthésiée comme si la réalité de sa mort prochaine la laissait indifférente. Ce mécanisme de défense pourrait être psychologiquement crédible, sauf qu’il ne semble pas pensé par le film. Face à la jeune actrice, Henry Hopper (fils de Dennis qui fait ses débuts au cinéma) passe de l’aphasie morbide à la révolte devant l’inéluctable de la mort, sans guère d’autres couleurs puisées dans la palette expressive.
On le découvre tout de même au dénouement du film le visage enfin ouvert et heureux, alors qu’il se remémore les beaux moments passés avec celle qu’il a tant aimée. Cette séquence qui devrait être l’apogée émotionnel du film est à l’image du reste. Le jeune homme veut rendre un hommage à Annabel lors de ses obsèques. Au lieu de prendre d’emblée la parole, il semble d’abord emporté par l’émotion des souvenirs. Que voit-on alors? Ses pensées défilent sous forme de clichés mille fois rebattus du « bonheur à deux » : promenades dans la nature, premier baiser, rigolades, marche fluide l’un avec l’autre comme en lévitation… Et le tout agrémenté d’une musique ad hoc, sentimentale et branchouieuse à la fois car nous sommes dans le cinéma underground.
Killing me softly with his song?
La musique est d’ailleurs un des problèmes du film, omniprésente, composée par Dany Elfman, pas n’importe qui donc, et pourtant sans relief, sorte de pop indé insipide ; des tubes « classe » de Pink Martini et Nico n’arrangent rien à l’affaire. On demeure surpris par la maladresse dans l’usage de la musique de la part d’un cinéaste qui a fait un film sur les deniers jours de Curt Cobain et possède une sensibilité musicale indéniable. Mais pourquoi gâcher un des rares moments où pourrait se passer réellement quelque chose : le rapprochement physique de deux adolescents encore vierges qui découvrent la sexualité ?
Quelque chose du déficit jusque-là d’incarnation pourrait se résoudre dans une véritable scène charnelle où les corps se révéleraient, s’éprouveraient. Mais non, nos adolescents spectraux le resteront par une étrange pudeur du cinéaste qui choisit l’ellipse, non sans avoir tout de même souligné pour le spectateur que, ça y est, les deux ados vont faire l’amour puisque la bande-son passe du silence des prémices à la musique pop sympa du passage à l’acte.
Le dossier de presse nous renseigne sur l’origine du scénario. Il s’agit d’une histoire écrite par Jason Lew et Bryce Dallas Howard (l’actrice rousse diaphane de Night Shyamalan). Une histoire élaborée ensemble dans leurs très jeunes années, ce dont on n’est guère étonné. Gus Van Sant aime explorer ce territoire de l’adolescence, mais cette fois-ci, il ne semble pas y croire.
In a nutshell:Not two but three (3!!!) reviews for Woody Allen’s latest opus, the first one live from the Cannes film festival, the two last more modestly from Paris, written around midnight, a time for jazz, sweet nostalgia and laughter, a time for Woody.
La magie de Cannes, ses vedettes, ses starlettes, ses marches et bien sûr notre envoyée spéciale, la délicieuse Mlle Blom dont la spécialité n’est pas le pudding (le blom pudd… never mind) mais les critiques étoffées. En direct de la croisette, elle nous conte sa première projection, celle de l’ouverture du festival : Midnight in Paris de Woody Allen.
Chaque année, on attend avec impatience le nouveau cru woody allenien – enfin, lorsqu’on est fait partie de ses aficionados !
Quand le réalisateur est programmé à Cannes, c’est encore plus excitant, même s’il est hors compétition. Et si le nouveau film du plus New yorkais des cinéastes américains se passe à Paris, le cinéphile français est titillé un cran de plus. Ajoutez à cela un casting dans lequel l’épouse du Président de la République (ex mannequin, ex femme de gauche, etc.) tient un petit rôle au sujet duquel les médias se sont beaucoup gaussés, et vous obtenez un niveau de curiosité porté à son maximum.
Comme nous n’aimons pas déflorer l’argument des films en s’informant à l’avance, c’est en toute innocence que nous nous sommes glissés dans la salle Debussy après avoir courageusement fait la queue dans la chaleur cannoise d’un mois de mai déjà estival. Assise non dans un fauteuil mais sur de durs escaliers, salle comble oblige, ce qui démontre que notre curiosité était largement partagée, nous avons découvert après la petite musique de Saint-Saens (ritournelle du festival) un générique un tantinet déroutant. Premières notes de jazz : là, on est en terrain allénien familier. Vues de Paris aux couleurs saturées de cartes postales un peu désuètes. Woody va-t-il nous faire le même coup avec Paris qu’avec Barcelone dans un de ses récents opus ? Il est vrai qu’Everyone says I love you avait déjà traité Paris comme un décor luxueux.
Pour le Paris de carte postale, suivez ce couple.
Après quelques larges vues de la capitale qui peuvent aussi rappeler le début d’Un Américain à Paris de Minelli, on imagine que la caméra va se rapprocher d’une maison, d’une fenêtre, d’un personnage, pour amorcer le drame. Et puis… non. Les cartes postales continuent à défiler, imperturbablement, tel le diaporama d’une agence de voyage – rive droite, rive gauche. La pluie se met à tomber ; c’est joli Paris sous la pluie. La nuit tombe à présent. Et le morceau de jazz de se clore. Fondu au noir. Voix off d’un Américain qui fait l’éloge de cette ville si pleine de charme sous la pluie ; capitale dans laquelle il aimerait tellement s’installer pour écrire, plutôt que rester vivre sur la côté Ouest américaine. Ah ! Paris, le Paris des années folles ! L’enthousiasme de Owen Wilson, puisque c’est lui qu’on entend, adopte quelque peu la période oratoire du réalisateur, comme c’est souvent le cas lorsque Woody Allen ne joue pas lui-même dans ses films.
Nous voilà donc dans ce fantasme d’intellectuels américains pour Paris : la ville lumière so romantic où il ferait bon s’installer dans une mansarde pour écrire son roman en buvant des verres de Bordeaux. On pense à Leonardo et Kate des Noces rebelles qui eux aussi imaginaient que la vie serait tellement plus excitante à Paris que dans leur banlieue new yorkaise, et qu’ils pourraient enfin exaucer leurs vœux créatifs et artistiques… Owen Wilson mène une vie plus excitante que les banlieusards middle class de Sam Mendes puisqu’il est scénariste à Hollywood et s’apprête à épouser une sexy héritière dont les parents descendent dans la capitale française au Bristol. Mais son estime pour son travail visiblement lucratif est basse, et le scénariste aspire à écrire de la véritable littérature – un roman.
Non, n'insiste pas, ce n'est pas une boîte de chocolats, c'est un roman.
Il est souvent question de fantasme chez Woody Allen : comme nous aimerions tous réécrire son histoire, l’améliorer, l’ajuster à ses désirs ! « Le cinéma substitue à nos regard un monde qui s’accorde à nos désirs » (citation pseudo-bazinienne comme l’on sait). Midnight in Paris décline cette thématique allénienne, qui s’était magistralement déployée par exemple dans Deconstructing Harry, en interrogeant nos fantasmes sur le passé historique. Le Paris des années vingt. Période si fertile artistiquement, si fiévreuse intellectuellement. Hemingway, Scott et Zelda, Gertud Stein, Picasso, Dali, Bunuel, Man Ray…
Imaginez-vous transporté dans les Années folles par la grâce d’une automobile rétro venant vous cueillir au coin d’un pavé parisien telle une Cendrillon attendant son carrosse pour aller au bal. Le bal ici se déroule chez Fitzgerald et est arrosé de whisky. Il se prolonge au bistrot Polidor autour d’un verre de rouge partagé avec l’auteur de Paris est une fête, chantre de la virilité et de la littérature « honnête et propre ». Au petit matin, vous reprenez le chemin des années 2010 encore sous l’effet de l’enchantement de votre folle nuit parisienne, où les femmes tiennent des porte-cigarettes et où la bohème parisienne écoute Cole Porter chanter en s’accompagnant au piano. Simple résultat d’une activité onirique plus intense que la moyenne ? C’est là que le film de Woody Allen nous émerveille, en parvenant à nous faire entrer dans son conte, où même les détectives privés qui font de la filature pour traquer un futur beau-fils aux déambulations nocturnes louches, se retrouvent par inadvertance dans le Versailles de l’Ancien régime. Où les muses des Années folles rêvent elles-mêmes de la Belle époque comme d’un âge d’or et s’y télétransportent pour y rencontrer Lautrec ou Gauguin.
Le Paris des années 1920, ça fait rêver ...
Notre époque à nous est-elle médiocre ? Les années 2000 sont-elles une période terne, stérile artistiquement et intellectuellement au regard de l’entre-deux-guerres du 20e siècle ? Ou de la Renaissance italienne ? Sommes-nous fatalement nostalgiques du passé que nous repeignons sous les couleurs d’un âge d’or fantasmé ? Devons-nous tenter d’habiter notre contemporain et d’y traquer ses beautés spécifiques ? Tout en ne se privant pas d’écouter des vieilles chansons en vinyles et d’aller contempler dans les musées des chefs-d’œuvre du passé ?
Autant de méditations sur notre rapport à l’Histoire que Woody Allen nous propose dans un film léger, drôle, où les génies du passé sont dépeints comme des caricatures attachantes – Hemingway et ses sentences littéraires et existentielles ténébreuses, Dali et ses yeux exorbités (excellent Adrian Brody), Bunuel qui ne comprend rien au scénario de L’Age d’or (son futur film !), Picasso tyrannisé par le jugement de la papesse Gertrud Stein (admirable Katy Bates), Zelda Fitzgerald, alcoolique mondaine suicidaire, Lautrec, petit homme humble et solitaire… Owen Wilson, lunaire, traverse le film en équilibriste, capable d’accueillir le merveilleux au coin de la rue comme le prescrivaient les Surréalistes.
Woody Allen s’est visiblement une fois de plus terriblement amusé à filmer ce conte de fées pour amoureux des Années folles et de Paris. Sa jouissance espiègle est communicative. Il vieillit bien.
Et qu'en est-il des rumeurs d'une romance Allen et Bruni?
PS : Ah ! j’oubliais ! Comment joue-t-elle la first lady ? Est-elle aussi calamiteuse que ce qu’on a bien voulu dire ? Eh bien, non. Ses trois courtes apparitions en guide touristique du Musée Rodin sont décentes. Il est vrai qu’elle n’a pas à incarner Lady MacBeth ou Phèdre, mais soyons équitable : il n’y a pas de quoi se moquer. Bon, c’est peut-être le résultat de la longue patience de Woody et de sa direction géniale…
En résumé :le dernier film de Woody Allen est un hymne d’amour à Paris, mais le Paris de Woody existe-t-il ? Une belle réflexion sur le pouvoir de la nostalgie.
Tonight was the opening evening of Woody Allen’s latest film, Minuit à Paris. Monsieur D. and I decided to go and watch it, knowing that down in sparkling Cannes at the festival, it was being devoured by the glamorous, the good and the glitzy of the cinematic world. And what a pleasure it was to discover on returning home that a special envoy of ours in Cannes had already written us a review, spurring us on to publish, publish, publish! So, here are my thoughts on the film.
The first impressions were not good. Just in case the title doesn’t give it away (which would be curious), the film is well and truly, stridently set in Paris. We are bombarded in the opening sequences with a seemingly never-ending series of Parisian landmark shots, ‘tourism porn’ style, all carefully spruced up, only the best angles covered. Some suitably Woody-esque droopy jazz plods along with it – you can probably imagine the drill. Then follow yet more shots of Paris, only this time in the rain, which made me antsy, as I had unstoppable flashbacks of cold, dirty Parisian rainwater seeping up the legs of my jeans while battling my way home in the rain, with the odd van spraying a tidal wave of misery-water onto the pedestrians while speeding past.
Waiting for the sweet nectar that is Parisian rain
From these inauspicious beginnings, things steadily considerably picked up. It’s the story of aspiring novelist Gil (Owen Wilson), who’s almost embarrassingly drooly about Paris (although who could blame him, swoon, sigh). He’s in town on vacation with his rather screechy fiancée Inez (Rachel McAdams), and her über-wealthy Tea Party Republican parents. Tensions quickly arise when the couple run into one of Inez’ similarly shrill friends, Carol (Nina Arianda) and her pompous ‘here to lecture at the SoreBONE’ (pseudo-)intellectual boyfriend, Pedantic Paul (Michael Sheen).
Gil is clearly desperate to get away from the couple, to return to his novel and fantasies of moving to Paris forever and ever, but ends up trundling around with them to various sites of culture. This is how they run into Carla Bruni in her infamous it-took-seven-million-takes-she-must-be-rubbish role as a Rodin museum tourguide. Bruni’s OK, I just tried not to think of Sarkozy, and failed. Things meanwhile start to get really surreal plotwise when Gil finds himself transported back to the 1920s Paris he so worships on the strike of midnight, encountering Hemingway, Zelda and Francis Scott Fitzgerald, Gertrud Stein, Dali and the surrealists… all whilst pulling fantastic pinch-me-I-must-be- dreaming faces. From here on it gets highly entertaining, with Hemingway giving bracing advice on facing life’s difficulties head-on, the role of the artist in transcending the painful certainty of death, and referring Gil’s novel to Stein for some valuable literary advice.
Give(rny) me romance
Gil starts to ricochet away from his present-day life, returning back to the 1920s each evening, to the point that Inez’ father hires a private detective to follow him (played by French mega-comedian Gad Elmaleh). His fiancée’s screechiness starts to compare highly unfavourably with the more husky and luscious Adriana (Marion Cotillard), who he meets while she’s modelling for her boyfriend of the moment, Picasso. It all sparkles with fantasy, wit and quality acting, making for what I’m sure was a classic Cannes moment. It also went down very well with the audience at the (only slightly) less glamorous MK2 Bibliothèque cinema where we were, earning a spontaneous round of applause.
It lacked the haggard cynicism of You Will Meet A Tall Dark Stranger, and had a far more well-rounded ending. While the film does at times risk sinking into the quicksands of smultchiness and simpering nostalgia, it avoids this through self-irony, in terms of its reflections on the absurdities of ‘golden age’ syndrome, the very human tendency to romanticise the inaccessible and to find the present fundamentally ‘unsatisfactory’. As such, present-day Paris is facelifted and romanticised into something fundamentally inaccessible, but tantalisingly close. To be watching the film in an area of the city bearing absolutely no resemblance to the scenes on screen added a final extra enjoyable layer to the proceedings.
In a nutshell (bis) : Now for the overkill, my review of this sweet and pretty movie about nostalgia, the search for a Golden Age,and a journey of self discovery and love. This year’s Allen flick ain’t bad, ’tis even rather charming, clean and honest, in a way, one third Cole Porter and two thirds Hemingway.
Tout a été dit par mes charmantes prédécesseurs et votre patience, ô lectrice (parce que mon lecteur fantasmé est une lectrice), s’effiloche peut-être un peu. Alors soyons bref. Gil (Owen Wilson) se trouve à Paris avec sa fiancée la sexy mais assez superficielle Inez (Rachel McAdams) et ses écœurants parents, trop riches Républicains, aux fronts bas mais au portefeuille généreux. Gil, scénariste de talent, se tenant pourtant en piètre estime, tente de terminer son premier roman et est attiré par la vie de Bohème du gay Paree. Inez répond à ces fantasmes par le mépris, une frénésie d’achats inutiles et la fréquentation d’un couple pédant à la limite de la cuistrerie (Michael Sheen est devenu mon modèle). Arrive ce qui doit arriver, Gil s’éloigne de sa fiancée pour se plonger avec volupté dans l’amour, celui du Paris des années 1920. Âge d’or pour lui, où il peut côtoyer tous ses héros d’Hemingway à Cole Porter, de Fitzgerald à Gertrud Stein (magique Kathy Bates), de Picasso à Bunuel et Dali (Adrian Brody loufoque à souhait).
Cole Porter à Paris, en 2011 ? Les bras m'en tombent.
Woody Allen s’en donne à cœur joie, inscrivant son dernier opus dans une fantaisie nostalgique jazzy, il ne cache ni ses influences, ni ses admirations, se servant habilement des clichés pour les réinvestir de la dose d’attention et d’affection nécessaire à leur résurrection. Si le film commence comme un lent (et irritant) album de photos touristiques à la gloire de Paris, il s’achève par la compréhension de l’amour que peut éprouver le cinéaste pour la ville et pour son style de comédie. Cette ode à la Ville Lumière et à son œuvre touche par sa fausse naïveté et la roublardise avec laquelle Allen s’inscrit dans la lignée des classiques. Reprenant le titre d’un des albums mineurs de Duke Ellington, il semble s’accorder au départ avec la critique perplexe de Scott Yanow : « pretty … but far from essential ». Pour ensuite, sous le parrainage exquis de F.S. Fitzgerald entamer un fascinant et distrayant autoportrait en miroir par l’intermédiaire du toujours charmant Owen Wilson.
J’ignore si Allen, après observation, raconte comme les augustes témoins de l’Ere du Jazz qu’il convoque, la perte de transcendance d’une Amérique bouleversée par des mutations sociales et morales. On pourrait l’imaginer au vu du désenchantement du monde qu’il mit si souvent en scène dans ses dernières œuvres (de Deconstructing Harry à You will meet a Tall Dark Stranger). Mais il évoque très sûrement les mânes de Francis Scott, Gil tout comme son illustre parrain à la fin de sa vie occupe la fonction honnie de scénariste de film, comme lui, il n’a pas achevé ses études et en souffre, comme lui passe son existence auprès des riches, qui cependant ne le comprennent pas et sont « différents ». On voit alors apparaître le cinéaste et l’annonce que tout comme Fitzgerald derrière l’insouciance et les dorures des hautes classes, se trouvent une grande force tragique, la désillusion et surtout le talent d’un auteur incompris. Allen refuse qu’on le plaigne et a l’exquise politesse de préférer les jolies femmes, la douceur et les rires à l’amertume et les regrets. Wilson se retrouve dans des situations rappelant les films précédents du maître, des clins d’œil aux fans attentifs. Allen prend du recul et paraît apaisé. Tendre alors devient la nuit dans laquelle Gil mûrit, se transforme et utilise sa nostalgie pour construire un avenir plus prometteur malgré la pluie.
In a nutshell: Brave Philibert learns his father was not an artichoke producer but a murdered aristocrat, and has to avenge him in a slow paced but overall pleasant pastiche of the “cape et d’épée” genre.
Quand j’étais un très jeune Monsieur D., ce n’étaient pas les cowboys et les indiens, les astronautes, les pompiers, les ninjas ou les dinosaures qui me faisaient régulièrement rêver, mais les châteaux forts, les chevaliers et les mousquetaires. Les films de cape et d’épée faisaient partie de mes favoris, Robin des Bois, Le Bossu, Le Capitan ne me lassaient jamais. Un pastiche de cet univers par la fine équipe derrière OSS 117 et Kaamelott m’intriguait donc, et nourrir la fascination de Miss J. pour l’humour français ajoutait encore à l’attraction. C’est consentants mais malgré tout assez méfiants que nous allâmes au cinéma, car le film était écorché vif par la critique et piétiné par une grande partie du public. Toute mon enfance allait-elle être foulée aux pieds? Non! Si ce long métrage est souvent paresseux et languide, il n’est en rien déplaisant et offre quelques très jolis moments.
L’histoire est élémentaire, le robuste et nigaud Philibert (Jérémie Rénier) découvre qu’il n’est pas le fils de ses parents, aimables producteurs d’artichauts, mais un orphelin aristocrate dont le père fut traitreusement assassiné par le vil et retors comte d’Artois (Alexandre Astier délicieux). Jurant vengeance il s’engage à rechercher l’ignoble meurtrier et à l’estourbir en mémoire de son père, trouvant sur son chemin un valet et ami (Manu Payet) et l’amour (Elodie Navarre). Le valeureux gaillard réussira-t-il à pourfendre l’affreux et épouser la belle, quitte à perdre ainsi son gênant surnom de Capitaine Puceau ? Je ne crois pas déflorer l’intrigue en vous révélant que tout s’achèvera bien.
Les secrets d'un film de cape et d'épée : un gentil blond, un méchant brun, une paire de collants rouges.
Sylvain Fusée choisit non tant la parodie, le travestissement burlesque, trivial, satirique d’un genre, que le pastiche, c’est à dire une imitation minutieuse, plutôt respectueuse même si humoristique d’un univers ou d’une oeuvre. Ce pas de côté peut décevoir tant l’hommage souriant et la bienveillance priment sur le sarcasme, l’invention, ou la cruauté de la caricature et j’imagine qu’il explique une grande part du mécontentement des spectateurs de ce film qui y voient un manque d’audace. Ainsi les collants moulants du héros, sa naïveté chevaleresque et son aveuglement à toute sexualité attendrissent car Fusée ne souhaite pas se moquer de ses personnages mais plutôt rire de leur décalage avec la brutalité, la fausseté et l’ambigüité du monde. On apprécie donc la régulière qualité des dialogues, les clins d’oeil aux classiques, les décors en carton-pâte et l’omniprésence des rochers marche-pieds, toujours utiles pour se hisser sur son cheval. On retient l’excellence d’Alexandre Astier, savoureux méchant. On déplore un montage lambin nuisant au rythme comique, étouffant les dialogues et les acteurs et transformant ce qui aurait dû être une cavalcade d’actions et de rires en une promenade certes agréable mais trop souvent apathique.
En résumé:Un pastiche très honnête de ‘cape et d’épée’ qui ne méritait pas tant de haine de la part des critiques, bien que Philibert n’ait malheureusement rien de révolutionnaire non plus.
I feel bad for Sylvain Fusée’s Philibert. It’s been widely trounced by reviewers – for lameness, damp squib-dom, and for sporting the kitsch weaknesses of the ‘cloak and sword’ genre it pastiches, but with no real satirical bite. I wouldn’t say I went in with the expectation of any sort of cinematic epiphanies, but I was encouraged that Philibert is the work of the scriptwriters of 0SS 117, to which I am eternally grateful for this and this. And it’s really not that bad. It’s definitely silly, but in the tradition of 0SS 117 or, if you like that kind of thing, Les Visiteurs.
Jérémie Renier stars as the naïve and handsome hero Philibert, whose artichoke-farming parents in Normandy inform him that he is in fact the son of a nobleman, and that he must avenge his father’s death. He packs up his coloured tights and sets off on horseback, soon meeting swindling thief Martin (Manu Payet), who becomes his almost-entirely-loyal valet. Philibert is a proud ‘puceau’ (virgin) but soon acquires a love interest, Princess Inès (Elodie Navarre), which is complicated by the fact that the dastardly murderer of Philibert’s father, Clotindre (Alexandre Astier) is determined to marry her himself.
Traditional snug tights
It’s packed with silly one-liners, slapstick humour, exuberant sword fights and knowing observations of the genre, all whilst sadly failing to set the screen completely ablaze. It was however a perfect afterwork wind-down film, with all the requisite larger-than-life characters, flamboyant battles and mellow escapism you could ever ask for. And certainly I don’t think it deserved to be shot down in flames – although it was an obvious target and I think a certain amount of snobbery was at play – it was far too ‘easy’ given the softness of its pastiche, and was more of a rosy hark-back to gentler, more naïve times that was easy to knock. Too bad!
In a nutshell:What was this movie about? Amnesia and kicking ass. I can’t really recall it, but do remember a very solid, serious and committed Liam Neeson. Go Liam! But maybe go into a more memorable movie next time.
Sans identité est un titre admirable, il correspond parfaitement au film car après quelques semaines (mois?) à n’avoir pas ou peu le temps d’écrire pour ce blog, mes souvenirs se sont estompés et il ne me reste pas grand chose des aventures berlinoises de Liam Neeson. Au fond, le réalisateur Jaume Collet-Serra est remarquable puisqu’il réussit à faire ressentir à son spectateur les affres de son protagoniste principal, soit une amnésie partielle.
En dépit d'efforts méritoires, "Unknown" reste au sol.
Victime d’un accident de taxi, un homme (Neeson avec conviction) découvre qu’un autre a pris sa place, son identité, sa femme, sa vie, et qu’il cherche en plus à le tuer. Peu conciliant et un rien colère, on le comprend, il s’appuie alors sur l’aide fort aimable de sa conductrice de taxi (Diane Krüger) et de quelques Allemands obligeants pour survivre et retrouver son identité. Bien évidemment il s’avèrera être une pièce centrale dans un complot dont je ne vous dirai rien pour préserver le suspense mais aussi parce que je ne me souviens plus très bien de quoi il s’agit, hormis qu’un des fleurons de l’hôtellerie mondiale, le magnifique Adlon, y perd quelques étages, mais, miracle du placement de produits aucun client. Ouf.
Collet-Serra filme efficacement ses poursuites et les combats de son héros mais n’a pas la maîtrise d’un Hitchcock ou la puissance d’un Jason Bourne. Il propose en conséquence un produit pas désagréable mais peu crédible, très lisse et aux effets soulignés. Modeste film de genre il pourra distraire le temps d’un vol, à Berlin par exemple, je doute qu’il puisse apporter plus.
En résumé : Un thriller psychologique vite oublié qui est sauvé (un peu) par la bonne volonté d’un Liam Neeson professionnel à souhait en toutes circonstances cinématographiques.
What do you do if you wake up after an accident in a hospital bed in Berlin, to discover that another man has taken your identity and your wife is acting as if everything’s fine? And when no one seems to listen or care, and you have no family or friends to contact, no email account, no traces of yourself on the web (…so far so plausible)? Well, if you’re Liam Neeson, you put on your best serious face and you act the life out of that badly cobbled together script. Thank goodness. Because Liam Neeson’s gameness is one of this silly story’s few saving graces. Another, as Monsieur D. has already pointed out, is the luscious Hotel Adlon in Berlin.
Jaume Collet-Serra’s Unknown is a thriller that’s terribly pleased with itself, because it has a Twist in the story. I won’t give it away – if you watch this thing on a plane some day you might just want to save that twist up to enjoy with your plastic compartmented aeroplane meal. However it’s all terribly workaday, often to the point of cliché. Berlin is cold and threatening. Scientists have dark and dangerous hidden agendas. Wives pouts and diplomats shmooze. Meanwhile (thank goodness), Neeson strides about, furrows his brow, crouches behind furniture and peeks out at bad guys with cagoules, thinks as hard as he possibly can, he is Living That Thing.
Lurking like a pro
And for that, Liam, I thank you, because you went for it with the nobility of a pure professional, and not for one minute did you falter, not for one minute did you give less than your All. The questions of whether or not this whole thing was appallingly conceived and dismal in its crater-like plot holes were not relevant to you while the camera was rolling – and that’s just how it should be. Rendez-vous same time next year, as you sort-of save another creaking-at-the-seams thriller?
In a nutshell:Will you be able to read in eight minutes the following review? It’s the time Captain Stevens has to find a mad bomber in a train bound to Chicago. If he fails ? The time travel programme he’s into is reset and back he goes … Groundhog Day becomes a thriller, an improbable but entertaining one.
Pour vous je ne sais pas, mais pour nous cette moitié d’année 2011 nous parait, sans doute à tort, assez creuse, année de vaches maigres pour le cinéma. Le côté positif de cet état tient à partir à la découverte de films qui n’auraient pas forcément retenu notre attention sinon. Vous l’avez deviné, Source Code fait partie du lot. La science fiction a cela d’agréable que l’on apprend toujours un petit quelque chose, ici j’ai appris que David Bowie avait un fils, Duncan Jones, et que celui-ci était réalisateur à Hollywood. Au niveau scientifique, c’est un peu plus flou, mais j’ai suivi que ce récit défendait l’idée de multivers, qui n’est pas un groupe de lombrics et ténias prêts à envahir le monde mais plus abstraitement celui issu de la théorie des cordes, soit un ensemble d’univers possibles, coexistant parallèlement avec peu ou pas d’interactions ou d’intersections entre eux. On conçoit que le sujet soit riche en possibilités scénaristiques et que l’on s’attache à créer des liens entre ces différents plans.
Gyllenhaal et Farmiga s'attachent à créer du lien
C’est ce que propose Source Code, programme informatique qui projette notre héros, le capitaine Colter Stevens (Jake Gyllenhaal), dans le corps d’un homme qui vit ses huit dernières minutes à bord d’un train en route vers Chicago ayant explosé dans la matinée, afin qu’il puisse découvrir le responsable de l’attentat et empêcher l’action terroriste suivante. Cette enquête dans cet univers parallèle permet donc d’avoir un impact sur son univers de référence, mais à chaque échec (c’est court huit minutes) Stevens est renvoyé et il devient complexe pour lui de savoir à quel univers il appartient vraiment, quelle est l’alternative la plus séduisante à vivre, entre un train miné dans lequel se trouve la délicieuse Michelle Monaghan et un centre militaire austère commandé par un scientifique fat et irritable (Jeffrey Wright) et une capitaine très carrée (Vera Farmiga).
Mélange habile et amusant d’Un jour sans fin (Groundhog Day), Code Quantum (Quantum Leap - on notera la brève participation de Scott Bakula, héros de la série, ici père de Stevens), Twilight Zone et toute proportion gardée Hitchcock (North by Northwest) et Trumbo (Johnny Got His Gun), Source Code est un thriller romantique malin, tendu et souvent drôle puisque le scénario, bien construit, prend en considération ses carences et (parfois) ses absurdités pour donner à ses protagonistes des répliques permettant par une pirouette de faire passer une pilule quelques fois énorme. A la différence de Bill Murray, qui vivait pleinement sa journée de la marmotte, Jake Gyllenhaal apparaît plus comme un joueur qui échoue partie après partie à un niveau difficile, mais qui au fil du temps, en vient à se demander s’il n’est pas lui-même partie d’une simulation plus vaste encore. Le discret travail de Jones sur la répétition, l’enfermement, le libre-arbitre et l’identité est intéressant et permet à ce blockbuster souvent invraisemblable de prendre une dimension et une consistance qui fait momentanément oublier les inconsistances de l’histoire pour offrir un savoureux petit plaisir estival.
En résumé :Un soldat américain est chargé de découvrir l’identité d’un poseur de bombes. Le problème est qu’il doit voyager dans le temps pour le faire et qu’il n’a que huit minutes à chaque essai – que de stress – mais on s’amuse bien!
The scenario to Duncan Jones’ thriller Source Code is something of a mash-up between Groundhog Day and Quantum Leap, with a side serving of The Matrix. Jake Gyllenhall plays US soldier Colter Stevens, who suddenly finds himself in another man’s body, on a train, being praised for the quality of advice he can’t remember having given by an attactive women he never met, Christina (Michelle Monaghan). And then the train blows up. He comes to in a weird time capsule, and is sent, over and over, to go back over the same events until he can figure out who the bomber is. He also has just eight minutes to act, as he’s in some kind of quantum contraption, living the last minutes of people who are already dead.
Yesss…. So far, so morbid (and plausible). Vera Farmiga plays Colleen Goodwin, the tight-lipped supervisor who keeps sending him back into the same loop, under whose urging he gradually pieces together just what kind of plot he’s up against, all whilst falling for Christina. It is a guilty pleasure of a film: decently high-adrenaline, well played, and forgivably daft – because it’s well done, it’s not too much to ask to put all the implausibility to one side and to get sucked into the mini-dramas of the side stories and ‘suspects’ in the train – from a bitter comedian with an alcohol problem, to a hustler in shades who just has to finish his business deal, to a quiet geeky student in the corner… and a train loo with an ever-ticking device.
Half Man, Half Machine: what does it mean?
The ‘8 minutes’ permaloop works well and it’s overall well structured plotwise, with plenty of twists, theme park mini-roller coaster style. All while the train blows up countless times, I ended up happily rooting for the hero to somehow make his way out of this interminable maze he’s stuck in, while sniggering a little at some of the over-the-top lines that were delivered. The fact I was able to care at all was a great relief after the grating debacle of one of Jake Gyllenhall’s other recent cinematic forays in Brothers. As Monsieur D. has said, we probably only saw this because it was a slow cinema week, but there were no regrets, lots of enjoyable moments and only a few smirks.
In a nutshell:A chameleon accidentally becomes Dirt’s new sheriff. He has to investigate the city’s water problems and will solve them by being inspired by the Spirit of the West. It should be “YAY” but is only “yawn”.
Un caméléon (Depp) neurasthénique tente de survivre à l’ennui dans son terrarium en s’inventant mille vies et se considérant comme un acteur. Un accident de parcours le propulse à son corps défendant en plein coeur du désert du Mojave où il finit par trouver une ville, Dirt, si misérable que les légendes de l’Ouest y sont bien vivantes. Ayant besoin d’espoir, les habitants trouvent chez ce caméléon menteur compulsif un nouveau shérif. Et Rango, acceptant la charge, de s’inscrire à son tour dans l’Histoire de l’Ouest américain. Plutôt récit initiatique qu’aventures comiques, le héros se découvre lui-même tandis qu’il résout les énigmes et dangers auxquels “sa” ville doit faire face.
De quoi fulminer car ce film promettait ...
Johnny Depp dans un western, c’est tentant, mais si l’acteur donne de la voix, le silence du désert écrase tout et Rango est aussi stérile que les champs de “Dirt”, ville aride, asséchée par les manigances vicieuses et criminelles de son maire (Ned Beatty). Gore Verbinski s’emploie à construire un pastiche subtil et riche en références mais pour le divertissement ses efforts restent vains. Les rires sont rares et incapables de choisir s’il fait un film pour adultes ou enfants il ne réussit qu’à ennuyer les deux. Certes l’animation est superbe, certaines scènes très réussies, et les hommages aux classiques si nombreux que Tarantino pourrait en faire un malaise de jalousie mais pour un récit morne et téléphoné scandé par les accords assommant d’un Hans Zimmer loin du souffle d’un Morricone, pourtant peu connu pour sa légèreté.
Opportuniste et assez factice, ce film d’animation se laisse voir, se fait apprécier parfois par ses clins d’oeil (de Las Vegas Parano ou Apocalypse Now à Terminator 2 ou Deliverance en passant par toute la crème du Western), ou par le choeur tragique des hiboux mariachis mais laisse ô combien sur sa faim. Jamais le metteur en scène ne s’approprie ce riche univers, jamais il ne profite de l’animalité de ses protagonistes dont la forme n’est qu’un prétexte à étaler les hommages aux grandes figures du genre. Bill Nighy ou Isla Fisher ont beau faire de leur mieux, l’héritage est trop lourd et Rango fait plus bailler que vibrer.
En résumé :Un caméléon mythomane se perd dans le désert, ainsi que nos espoirs d’un bon moment cinématographique.
And now for another animation starting with an R – but a very different beast. For starters, instead of the parrot protagonist of Rio, we have a chameleon: Rango (voice of Johnny Depp). And we’re in the Mojave desert. Rango is a lonesome pet who uses the props in his cage as characters in his own plays, and is tossed from his owners’ car while they’re driving through the desert. Serenaded by some of the most morbid (but cutest) owls ever, he makes his way to the water-parched Old West town of Dirt, populated by a crew of threatening beasts he manages to win over by lying to them about a heroic past and somehow slaying a hawk. And then he’s made Sheriff! Except it soon becomes apparent that it’s a cursed job, and that the town’s mayor (Ned Beatty) is more than a little shifty, and that if they don’t get some water soon, they’re all going to die.
Owls of doom
This is an animation that takes itself Seriously. Its soundtrack tweedles and whines spookily, and the dust rattles across the plains. Corruption and baseness claw out at the viewer at every turn. Knowing pastiche references to Westerns abound, and never, Never would the scenario be caught dead stooping to anything easy or clichéd… sadly though, it forgets not to be really heavy about it. It won’t let you forget one minute how hard, how absurd, how alone we all are in this world and how the dust swirls around our miserable, vulnerable bodies and there is no hope and even if there were, someone would steal it away from you, so let’s twang guitars and twirl our moustaches. It seems proud of the fact it’s lured you into the cinema with the promise of masterful animation (which it visually delivers), and then proceeds to bore you to death by interrogating every prejudice you may have had about what animation Can or Can’t Do.
Fine. But it’s pretty dry stuff, and would have been far better as a short feature lasting twenty minutes or so, without the half-hearted adventure elements they throw in because, sadly, they don’t quite dare to do what they felt like, which is visual poetry, dropping any semblance of a linear narrative at all. It slouches, and the characters are too weird to want to hang around for very long. After the initial thirty minutes or so, it all left me wanting to back away slowly.
In a nutshell: “Blu”, smuggled when a chick in Minnesota, adopted by a kind owner, is brought back as an adult macaw to Rio, where he will try to find love and will hope to learn how to fly. Both will prove arduous, to our greatest joy. Formulaic, yes! But a very sunny, funny and musical animation.
Si les réactions de Miss J. sont un étalon du succès public d’un film, Rio de Carlos Saldanha va s’imposer comme la grande réussite de 2011, les records du box office mondial vont trembler. Les aventures de Blu (Jesse Eisenberg), sympathique et sédentaire ara bleu, propulsé de sa librairie paumée du Minnesota, avec Linda son aimable propriétaire et bouquiniste, à Rio, dans la fascinante et tumultueuse métropole brésilienne correspond à la plume près au film-formule. La logique serait donc à une appréciation paresseuse, à déplorer un manque d’originalité marqué, à s’attrister des abus de bons sentiments propre à ce genre de production.
Sauf que …
Sauf qu'on ne peut qu'aimer Rio.
Tout est réussi. L’animation est extrêmement soignée, la distribution des voix impeccablement choisie, Anne Hathaway fait une femelle perroquet énergique, séduisante et futée, Will. I. Am. et Jamie Foxx sont brillants et drôles en petits oiseaux cariocas, Tracy Jordan parfait en bouledogue attardé et affectueux, et je ne suis qu’enthousiasme devant la prestation de Jermaine Clement, qui fait l’un des plus attachants méchants de films grand public. Qu’il soit un Ninja du Tonga ou un membre des indispensables Flight of the Conchords, ce Néo-Zélandais assure! La partition musicale est à la hauteur du reste et les percussions de Carlinhos Brown ne vous laisseront pas de marbre. Une (très) jeune cousine mienne peut entamer la danse des perroquets avec concentration et passion sur (ou sans) demande (et, je pense, que Miss J. aussi).
Alors oui, c’est une recette, oui, tous les personnages sont dans la norme, oui, l’histoire, et notamment la double romance, est mille fois vue et plutôt mièvre, mais chaque ingrédient est de si bonne qualité, que le résultat comble, voire grise. Sur un rythme entrainant de carnaval, dans une symphonie chatoyante de chansons, d’actions et d’humour, on est diverti et bien. Très tentant en conséquence de suivre les conseils de Raphaël, le toucan, de laisser son cerveau au vestiaire, d’écouter son coeur et de s’envoler, ébouriffé, dans Rio. Ce n’est pas Miss J. qui me contredira.
En résumé :Un film d’animation racontant les mésaventures d’un ara qui ne sait pas voler. On ne peut plus classique dans le meilleur sens du terme : c’est drôle, visuellement éblouissant, ce dessin animé fait du bien.
On the face of it, Carlos Saldanha’s Rio was going to be just another animation – albeit I’m all for those, especially when it’s by the makers of Ice Age. But when people who don’t usually go for animation started raving about it, I ratcheted Rio to near the top of my ‘want to see’ list, and off we went, Monsieur D., myself and dear Madame T., having been thwarted by a sold-out avant-premier of Inspector Dee and the Case of the Missing Plot (or something – to be reviewed under its proper title shortly).
It was in 3D (yawn), so it was a relief to find that a) it was ‘only’ a 1 Euro supplement and b) the usual Stevie Wonder-style heavy red glasses had been replaced by a more Elton John-style, lighter, ‘take home’ pair, which have been lurking in my bag ever since. It began, of course, with the obligatory ‘whoosh-in-your-face’ 3D advertisements for various forms of sugary snacks, and we duly grumbled that so far, 3D pre-film advertisements have far outstripped actual films in using the full potential of actually getting ‘in your face’.
Rio then began, and with it an avalanche of comedy, music, bright colours and an actual decent storyline, in the sense that you could care about what happens to everyone. A blue macaw, Blu (voice of Jesse Eisenberg) is stolen from the rainforests of Rio and ends up rescued in Minnesota by Linda (Lesley Mann), where they grow up happily together in geekdom, until Tulio, a researcher from Brazil, lures them back to Brazil for Blu to try and mate with Jewel (Anne Hathaway), they being the last of their species. Poor Blu can’t fly, and is mortified about it, although a dab hand at using public transport and other alternatives instead.
Wheels, not wings
So much for the set-up: a comedy gang of criminals in possession of an evil bird called Nigel (Jermaine Clement), who has the best ‘bad guy’ song in history, then steal the birds and so begins a lengthy chase across town, peppered with gags, adventures, carnival sounds and swooshtastic 3D visuals. While there’s nothing classically ‘original’ about any of it – it’s in many ways as formulaic as it gets – it ticks absolutely every box for a quality animation, and is spectacularly professionally carried off, conveying love and enthusiasm for the medium, while working every detail to perfection.
The beaches and mountains of beautiful Rio don’t hurt; nor do the very decently put together soundtrack (led by Brazilian musician Carlinhos Brown), and the stellar performances of the actors, including Jamie Foxx and Will.i.am as sidekick supporter birds, and Tracy Morgan as an uncontrollably drooling bulldog: “it’s a medical condition!!” (Cf. 30 Rock). A bunch of deranged thieving monkeys also add to the fun. Unlike, for instance, Kung Fu Panda, which delivered on the visuals and slumped with the storyline, here, everything sizzles along… a feel-good movie in the finest vintage, that manages to capture some of the carnival spirit of Rio.
En résumé: Un film de Scorsese atypique qui mélange mystère et sentimentalisme, tout en rendant hommage à l’ère des films silencieux du début du vingtième siècle. C’est visuellement très beau, mais au final, l’intrigue manque de punch. 
